informazioni dal Settore Cultura e Turismo del Comune di Benevento

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Città di
BENEVENTO

 
 
BnCs2010 - ven 03-09-2010 21:00, Teatro Comunale
La musica dei ciechi
poi le voci dal Vico Finale

con Peppe Barra
Prima nazionale

03-09-2010 ore 21:00
05-09-2010 ore 21:00
durata 75 minuti

con Patrizio Trampetti e Lalla Esposito
con Adriano Mottola
e Gabriele Barra, Paolo Del Vecchio, Costel Lautaru,
Ilie Pipica, Massimiliano Sacchi, Luca Urciuolo
assistenti alla regia Elena Cepollaro, Andrea de Goyzueta

scene Roberto Crea
costumi Annalisa Giacci
elaborazione delle canzoni Patrizio Trampetti
regia Claudio Di Palma
produzione Ente Teatro Cronaca

Si ringrazia il Mercadante Teatro Stabile di Napoli

"T'aggio vista!". Esclama dolente, ma con intonazione ferma, il Ferdinando de "La Musica dei ciechi" accusando sua moglie Nannina di "evidente" infedeltà. Sembrerebbe, la sua, una prova testimoniale forte e sufficente alla condanna morale della donna se non fosse, però, che a fornirla sia lui, ovvero, un musicista cieco. Un buffo controsenso, dunque. Viviani, però, geniale, non lo informa neppure di ironia. T'aggio vista! Afferma amaro Ferdinando e noi dobbiamo credergli. Poco importa se quello che dice di aver visto gli sia stato soltanto malevolmente riferito da un ostricaro di passaggio e che l'accusa stessa possa essere vuota d'ogni verità. Ferdinando ha visto il tradimento proprio perchè gli è stato raccontato; nel suo mondo percettivo ascoltare è vedere. Nel suo mondo percettivo il senso proviene dal suono in un rapporto sinestetico tra vista ed udito.
Allora eccolo, in questa messa in scena de "La musica dei ciechi", il suo mondo di visioni ossessive e di solitudini, rimodulate secondo la fonetica di una partitura breve fatta di quadrature e dissonanze sia musicali che emotive. Eccolo, questo mondo, moltiplicarsi nelle ombre che gli si muovono intorno in un Borgo Marinari presunto; rifugio di suoni lontani, di lingue straniere, di voci arrochite dal mare.
Gli si muove intorno una Napoli "di un altro tempo", impenetrabile per lui, indistinta per noi, diradata, in scena, da superfici che ne opacizzano il senso e le forme. Una Napoli della strada, degli ultimi, dei sacrificati, dei veri, ma ormai una "Napoli, forse". Una Napoli di cui solo Viviani ce ne può far intravedere l'eco.
Infine il buio, assiduo corteggiatore di Ferdinando, che ingoia la sua storia silenziandone le deludenti
liturgie quotidiane.
Restano i suoni che si manifestano ed amplificano a seguire nel racconto di scena. E' una musica di strada, nobilmente plebea, musica ancora degli ultimi, dei sacrificati, dei veri.
Una musica che riorchestra, in una sorta di onirismo circense, raccapricci e desideri profondi avvertiti e registrati da Viviani dai tempi del Vico Finale. Una musica che restituisce l'indomita dignità di corpi immiseriti dal destino, che racconta del loro vitalismo inesausto, di una violenza che cresce, neppure silente. Una musica che tenta di farci ascoltare la forma di una città come Napoli, di farcela riconoscere consentendoci di esclamare con la stessa certezza cieca di Ferdinando "T'aggio vista".
Visione illusoria. All'interno del contesto narrativo, l'eccezionalità estetico-tonale di Peppe Barra rappresenta l'ideale
misura espressiva per coniugare il crudo realismo di Viviani con la sospensione onirica che "La Musica" tende ad evocare.
Il suo corpo scenico avanza a tentoni tra ombre di uomini, canta con pulsione solare tra corpi di strumenti abbandonati quasi ad incarnare, con poetico disincanto, il tentativo di ricomporre l'accordo tra uomini e suoni la cui dissociazione sembra un profetico presentimento su Napoli che ne "La Musica dei ciechi" Viviani dichiara sottotraccia.                            
 
 Claudio Di Palma
                           
 




 
           
 

n.136  Raffaele Viviani    letto 3856 volte   Categoria BnCs2010 100
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BnCs2010 - sab 04-09-2010 13:00, Centro Arte e Cultura
Tagli
Prima nazionale
una performance mobile
di e con Marco Mario De Notaris

durata 45 minuti
a seguire
'Piante, tavole e storie'
Mappe del gusto nel Sannio beneventano
degustazione a cura dell'Associazione LOA

4 sett ore 13.00
5 sett ore 13.00
11 sett ore 13.00
12 sett ore 13.00



Tagli è un monologo-cabaret che si ispira alla stand-up comedy, un misto di improvvisazione e di testo scritto, una performance in bilico tra il rischio dell'invenzione e una drammaturgia più "collaudata".
Un attore, relegato in uno spazio che non è un teatro, né un set, prepara il pranzo raccontando storie paradossali, storie, appunto, che riguardano i tagli, la vera parola moloch degli ultimi mesi. Anche l'attore, che per sua disgrazia è parte di quei tagli, rende partecipe il pubblico dei suoi progetti tagliati dal ministero.
Progetti culturali sempre più folli e deliranti, e la descrizione tra risate e nonsense di una società che tagliando tutto quello che è cultura, partecipazione, sensibilità, sembra sempre voler rinunciare al senso profondo delle cose, dell'arte, della civile convivenza. In questo caso, spinto dalla necessità, che è la madre di tutte le invenzioni, l'attore di Tagli cerca di ristabilire un contatto con il pubblico e con la realtà attraverso il rito del pranzo, di una con
divisione quasi "eucaristica", come un prete senza altare, che celebra messa in una baracchetta sperduta. In un tempo in cui anche la quarta parete è una spesa eccessiva, Tagli si propone di far ridere o solo sghignazzare il pubblico attraverso uno scambio ravvicinato di battute e spunti anche dell'ultimo momento.        
   
  
   

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BnCs2010 - da sab 04-09-2010 17:00 a dom 05-09-2010 11:00  -  Villa Comunale
Come Alice…
uno spettacolo di Giovanna Facciolo da Lewis Carroll
con Adele Amato de Serpis, Cristina Messere,
Monica Costigliola, Valentina Carbonara
maschere, figure e costumi Rosellina Leone e Francesca Caracciolo

Ingresso libero fino ad esaurimento posti
durata 60 minuti
(ogni replica è riservata a max 80 bambini)
(età consigliata: 6 - 10 anni)

E' un viaggio surreale tra personaggi che, ricalcando quelli del famoso libro di L. Carroll, propongono caratteristiche legate in maniera peculiare al contesto naturale dell'Orto Botanico di Napoli, nel quale è stato creato e nel quale è cresciuto lo spettacolo. E l'Alice che si presenta sin dall'inizio ai piccoli spettatori è un'Alice alla ricerca di se stessa, metafora surreale della crescita e del disagio che il cambiamento fisico le procura.

Un'Alice che ha dimenticato tutto quello che sapeva prima, prima di crescere improvvisamente (il suo nome, la sua identità e le storie che tutti da piccoli sanno), e che si mette in moto, con l'aiuto dei bambini, per ritrovarsi
La ricerca di Alice, dell'identità smarrita, unisce quindi il personaggio al gruppo di spettatori grazie al meccanismo di identificazione, chiave magica e necessaria alla riuscita dello spettacolo, e che fa nascere improvvisi momenti di solidarietà e sostegno collettivo dell'indifesa protagonista alle prese con gli esilaranti personaggi un po' cinici, irretiti nelle loro surreali esistenze, con cui Alice non riesce a comunicare.

Ed è così che gli incontri con il bruco, il coniglio, il cappellaio matto e la sua band, la regina (per incontrare la quale è necessario trasformarsi in carte da gioco), il fiore, sottolineano il motivo della leggera solitudine di cui è impregnato, a nostro avviso, il libro stesso.

Ma ecco che alla fine un luogo magico suggerisce la soluzione: i nomi smarriti potranno essere ritrovati attraversando il labirinto.

Così, riappropriandosi del nome, Alice può esistere di nuovo, naturalmente insieme ai suoi fedelissimi compagni di viaggio. 

Lo spettacolo presenta una struttura itinerante. Il giovane pubblico seguirà il percorso interagendo con i famosi personaggi del non-sense che qui acquistano caratteri nuovi legati a questo luogo affascinante dove la natura si impone mescolandosi agli eventi teatrali.  

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BnCs2010 - sab 04-09-2010 18:00, Hortus Conclusus
Raccontami Benevento
un progetto di Giulio Baffi e Giovanni Petrone
spettacoli in varie date e luoghi (vedi scheda)


Sabato 4 Settembre

Largo Manfredi di Svevia, ore 18.00
con Imma Villa e Rosario Sparno
durata 45 minuti

Hortus Conclusus, 19.00
con Gea Martire e Gabriele Saurio
durata 45 minuti

Domenica 5 settembre
Hortus Conclusus, 11.30
con Gea Martire e Gabriele Saurio
durata 45 minuti

Largo Manfredi di Svevia, ore 12.30
con Imma Villa e Rosario Sparno
durata 45 minuti

Sabato 11 settembre 
Arco del Sacramento, ore 18.00
con Silvia Bilotti
durata 45 minuti

Ponte Leproso, ore 19.00
con Antonello Cossia e Paolo Cresta
in collaborazione con Associazione culturale Altrosguardo
durata 45 minuti
 
Domenica 12 settembre
Ponte Leproso, ore 11.30
con Antonello Cossia e Paolo Cresta
in collaborazione con Associazione culturale Altrosguardo
durata 45 minuti

Arco del Sacramento, ore 12.30
con Silvia Bilotti
durata 45 minuti

Per tutti gli spettacoli ingresso libero fino ad esaurimento posti

Gli spazi bellissimi della città. Architetture che diventano spazio per una rappresentazione inconsueta. Attori che inventano una storia e la raccontano al pubblico come per un incontro improvvisato. Verità e fantasia che si confondono. Un progetto che negli ultimi due anni ha moltiplicato l'attenzione degli spettatori e la fantasia degli attori-autori, tanti, che hanno inventato i loro racconti in centinaia di spazi storici, museali ed architettonici della Campania. Ci sembra bello raccontare anche Benevento, affidandoci all'invenzione di un gruppo di attori che hanno accolto con entusiasmo il nostro invito. Quattro i racconti previsti, il sabato e la domenica, al mattino e al pomeriggio, che s'incrociano per emozionanti performances.

Hortus Conclusus
con Gea Martire e Gabriele Saurio
durata 45 minuti

La lotta, quella più antica, antica quanto il mondo: tra il bene e il male, viene ingaggiata e mai vinta. Per ognuno di noi comincia, ma finisce? In quale territorio riparare nel quale meglio lottare, sentirsi il più forte, il favorito, quello sul quale sarebbero tutti pronti a scommettere? Su quale terreno ideale o reale, andare a sconfinare per poter, finalmente, planare, i piedi scollati da un mortificante ancoraggio, liberi da ogni peso, scagliati verso un tripudio di trionfo? Dov'è questo luogo dell'impossibile, dove un cerchio, destinato a restare irrimediabilmente aperto, miracolosamente si chiude, si conclude? Un Hortus conclusus? Forse. Chissà. Si può provare, sperare. Ma, alla fine, sapremo distinguere, se quel seducente, poderoso braccio che, trionfante, eleva verso il cielo la coppa della vittoria appartiene al corpo tentatore del male o a quello virtuoso del bene?! Fidiamo nel mistico hortus e nelle divine opere di Paladino. 

Largo Manfredi di Svevia
con Imma Villa e Rosario Sparno
durata 45 minuti

Biondo era e bello e di gentile aspetto. Ma l'un de cigli un colpo avea diviso... Avesse in Dio ben letto questa faccia L'ossa del corpo mio sarieno ancora In co del ponte presso a Benevento. (Dante. Purgatorio. Canto III) .
Sono le prime ore del pomeriggio di venerdì 26 febbraio del 1266. L'esercito di Carlo d'Angiò è schierato sui colli sovrastanti la valle dei fiumi Sabato e Calore. Le forze di Manfredi, re di Sicilia (che il papa considera usurpatore) sono disposte nella pianura beneventana di S. Maria della Grandella. Ha inizio la battaglia di Benevento. 



Ponte Leproso
con Antonello Cossia e Paolo Cresta
in collaborazione con associazione culturale ALTROSGUARDO

Fuori della porta di S. Lorenzo, si ammira un antico ponte a cinque archi sul fiume Sabato, risalente al I secolo denominato ponte Leproso, sopra di cui era distesa la via Appia. Il primo arco colla rampa verso la città, è composto di grossi macigni riquadrati commessi senza calce, di costruzione de' secoli rimoti. I rimanenti archi sono di opera laterizia di epoca posteriore, quando in diversi tempi, s'è il ponte ristampato dietro a'danni cagionati da'tremuoti, e dall'impeto della corrente. Quattro arcate, un tempo cinque. Ha una solida struttura tipicamente romana a schiena d'asino e conserva diversi elementi originari. È famoso pel sepolcro, che s'innalzò a Manfredi Re delle due Sicilie, biondo, bello e di gentile aspetto, morto qui in azione con Carlo I d'Angiò. Su questo ponte tumulato, con le pietre, senza rito, dalla pietà dei vincitori, abbandonato alla pioggia e al vento. Per questo ponte transitarono Cicerone, Orazio, Giulio Cesare, Vespasiano, Augusto ed anche dottori della Chiesa e Sommi Pontefici. Così gli anni si sommano agli anni, s'intrecciano fatti con persone. Come pietra si aggiunge a pietra, fino a formare l'arco. "Qual è la pietra che sostiene il ponte?" Chiede Kublai Kan a Marco Polo, che risponde: "Il ponte, non è sostenuto da questa o quella pietra, ma dalla linea d'arco che esse formano". Kublai Kan riflette in silenzio, poi soggiunge: "Perché mi parli delle pietre? E' solo dell'arco che m'importa". "Senza pietre non c'è arco". Risponde Marco Polo. Tra parole di leggenda, di storia o di poesia, lo spettatore-visitatore si troverà avvolto al tramonto in un'atmosfera di racconto, come nella descrizione di una città invisibile, sospeso nell'aria a metà strada tra un punto e l'altro della terra ferma, cavalcioni di una schiena d'asino che fa da ponte sul fiume. 
  

Arco del Sacramento
Con Silvia Bilotti

Il mondo ospita luoghi gravidi di memorie. E la memoria è imprescindibile, compone archetipicamente ciò che siamo. Il mito di ieri racconta l'uomo di oggi, la sua ragion d'essere; il mondo di oggi riscopre il mito di ieri e riscopre se stesso. Si riscopre attraverso i bisbigli dei luoghi ritrovati; riscopre se stesso attraverso i messaggi che a se stesso lascia, affidandoli al tempo, per mezzo dei luoghi in cui gli uomini vivono. In quei luoghi il quotidiano diventa futura saggezza. Diventa libro prezioso in cui si tratta dell'unica ragione, dell'unico senso che ha la vita".
 




 

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BnCs2010 - sab 04-09-2010 20:00, Teatro Massimo
Ole Bull - Stravaganze e tradizioni
concerto in omaggio al Paganini del nord il grande violinista e compositore Ole Bull nel bicentenario della sua nascita
Eseguito da MiNensemblet
guest Susanne Lundeng, violino
Matteo Helfer, orchestrazione 'Lieder' Edvard Grieg
Chiara Di Dino, soprano

Musiche di Ole Bull, Edvard Grieg, Fridthjov Anderssen, Harald Saeverud, Susanne Lundeng

In collaborazione con Ravello Festival
Si ringrazia la Reale Ambasciata di Norvegia in Italia

Ingresso libero fino ad esaurimento posti
durata 70 minuti

Violinista, compositore, intellettuale, Ole Bull fu forse la prima star artistica internazionale della Norvegia. Grande virtuoso del violino, Bull è considerato uno dei maggiori interpreti romantici al pari di Chopin e Liszt. Per celebrare il Paganini del nord a duecento anni dalla sua nascita, la Reale Ambasciata di Norvegia ha invitato a Roma l'ensemble norvegese MiNensemblet accompagnato da Susanne Lundeng, tra i giovani violinisti norvegesi sicuramente la più stimata artista, che mescola la tradizione della musica popolare celtica con elementi di musica contemporanea e sonorità moderne.  
Il successo internazionale di Bull partì dall'Italia. Più precisamente da Bologna, nel 1834, quando il violinista ebbe l'occasione di accompagnare il soprano Maria Malibran, la cantante più famosa dell'epoca. Cominciò così una carriera che lo portò a suonare nei maggiori teatri e nelle corti reali di tutta Europa. Attraversò la grande musica dell'Ottocento e fu acclamato anche in Algeria e negli Stati Uniti. Fu amico della vedova Mozart, suonò a casa Mendelssohn accompagnato al pianoforte dal grande Felix, fece coppia fissa con Franz Liszt. Robert Schumann lo definì il più grande virtuoso del violino dopo la morte di Paganini. Del suo soggiorno a Roma restò memorabile un'esibizione sotto la luna fra le rovine del Colosseo. A Napoli assistette, nel 1834, a una violenta eruzione del Vesuvio, e l'emozione provata gli ispirò la composizione di una Polacca Guerriera. Come autore può essere considerato fra i padri fondatori della musica e della cultura scandinava.
Appassionato ricercatore di composizioni popolari norvegesi, nei suoi concerti alternava l'uso del violino con quello del Hardingfele, strumento tipico del suo paese, molto simile al violino ma con in più quattro o cinque corde di risonanza sottostanti alle quattro principali. Tutti i testimoni dell'epoca ne parlano come di un eccezionale improvvisatore. A Bergen, sua città natale, Bull creò un teatro con l'intento di dare vita a una drammaturgia nazionale norvegese e chiamò a lavorare come autore il giovanissimo Henrik Ibsen. Fu Bull a scoprire il talento musicale di un ragazzo quindicenne di nome Edvard Grieg, che in seguito sarebbe divenuto il più importante compositore scandinavo di tutti i tempi. Questi due grandi musicisti aprirono la strada allo sviluppo della musica classica norvegese, fino ad allora emarginata rispetto alle principali correnti culturali internazionali.

MiNensemblet
Formazione da camera stravagante e ricercata, MiNensemblet ha come caratteristica principale la versatilità dei suoi musicisti, sempre alla ricerca di nuove forme ed espressioni musicali. Dalla sua nascita nel 1992, ha scelto di privilegiare la musica contemporanea collaborando con artisti affermati, tra cui Bjørn Andor Drage, Arvid Engegård, Arve Tellefsen, Bobby McFerrin. Negli ultimi anni l'orchestra ha ulteriormente allargato la sua attività musicale con esecuzioni di musica antica su strumenti d'epoca. Nel 2006 ha pubblicato un CD interamente dedicato a Ole Bull dal titolo OleBullshits. La tournée di MiNensemblet toccherà anche le città di Benevento e Bologna.

Susanne Lundeng
Violinista che arriva dal nord della Norvegia. Forse oggi la più importante artista e compositrice norvegese, Susanne Lundeng rielabora le tradizioni musicali della sua terra con suoi personali arrangiamenti e richiami a sonorità di jazz, rock, musica contemporanea e musiche popolari di altri paesi. Nel suo repertorio alterna brani tradizionali a sue composizioni, lavorando anche sulla vocalità. Il risultato è un suono innovativo, che rende questa artista molto apprezzata da un pubblico vasto. I suoi concerti nel Regno Unito e in Germania sono molto amati, i suoi dischi sono pubblicati in tutto il mondo e sono un grande successo nella Corea del Sud.

Matteo Helfer
Organista, pianista e direttore d'orchestra, ha suonato e diretto per conto di molte istituzioni concertistiche in Europa, Messico e Stati Uniti. Dal 1995 al 2001 è stato direttore artistico del Dolomitimusicafestival di Trento, della cui orchestra la DMf Chamber Orchestra del Trentino Alto Adige è direttore principale dal 1998. Ha collaborato con artisti di fama internazionale come Edita Gruberova e Kristian Johannssohn. Appassionato della cultura norvegese ed esperto della musica di Edvard Grieg, è impegnato nella stesura di una versione per voce ed orchestra dei lieder del grande compositore. Attualmente insegna organo e composizione organistica presso il conservatorio Bellini di Palermo.

Chiara Di Dino
Giovane soprano lirico, nata a Palermo, si è perfezionata con Leone Magiera. Sotto la guida di Mauro Trombetta ha curato il repertorio liederistico che ha eseguito successivamente in giro per l'Europa e in America. Si è specializzata con Luisa Sarlo in musica moderna e contemporanea francese e spagnola. Ha fondato nel 2002 insieme a Matteo Helfer e al musicologo Quirino Principe il Trio Telos, formazione specializzata nell'esecuzione del repertorio liederistico.   

Musicisti: Bjørn Andor Drage, (direzione artistica e musicale, pianoforte), Øivind Nussle e Tor Johan Bøen (violino), Pål Magne Solbakk (viola), Hans-Urban Andersson (violoncello), Jon Sjøen (contrabbasso), Inge Rolland (flauto), Ole Kristoffersen (clarinetto), Jonathan Williams (corno), Anton Biehe (fagotto), Arnfinn Bergrabb (percussioni), Susanne Lundeng (violino), con la partecipazione di:Chiara Di Dino (soprano), Matteo Helfer (direttore d'orchestra).   

Programma: · Ole Bull: Et sæterbesøk ("Tra i monti")     
· Edvard Grieg: Holberg Sweet Mint ("Preludio" dalla "Holberg Suite" arr. Bjørn Andor)
· Edvard Grieg: Ole Bull's Hits no.2 ("Danza norvegese" n.2 arr. Bjørn Andor)
· Ole Bull: Sæterjentens søndag ("La domenica della pastorella") · Edvard Grieg: "Lieder" – Orchestrazione di Matteo Helfer 1) Jeg giver mit digt til våren (Bjørnson) Op. 21 n. 3
Ho dato il mio canto alla Primavera
2) Zur Rosenzeit (Goethe) Op. 48 n. 5
Il tempo delle rose
3) Solveigs vuggevise (Ibsen) Op. 23 n. 26
Ninna nanna di Solveigs
4) Ein Traum (Bodenstedt) Op. 48 n. 6
Un sogno
5) Fra Monte Pincio (Bjørnson) Op. 39 n. 1
Dal Monte Pincio
6) Eros (Benzon) Op. 70 n. 1
Eros Chiara Di Dino, soprano · Fridthjov Anderssen: Arietta per violino e pianoforte   
· Harald Sæverud: Kjempefiss ("Ballata della sommossa")    · Susanne Lundeng: 
 1) Nattevåk ("Veglia notturna")
2) Ingenting sakralt ("Nulla di sacrale")
3) Videre ("Avanti")
4) Duve ("Onde")
5) Kela Susanne Lundeng, violino · Edvard Grieg: Dovro gosh (da "Peer Gynt") 
· Susanne Lundeng: Ut av skapet ("Rivelarsi")       Musicisti:
Bjørn Andor Drage, pianoforte, direzione artistica e musicale
Øivind Nussle e Tor Johan Bøen, violino e viola
Hans-Urban Andersson, violoncello
Jon Sjøen, contrabbasso
Inge Rolland, flauto
Ole Kristoffersen, clarinetto
Jonathan Williams, corno
Anton Biehe, fagotto
Arnfinn Bergrabb, percussioni Susanne Lundeng, violino
con la partecipazione di:
Chiara Di Dino, soprano
Matteo Helfer, direttore d'orchestra    

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BnCs2010 - da sab 04-09-2010 21:00 a dom 05-09-2010 19:00  -  Teatro De Simone
La Cenerentola maritata
con Marina Confalone
Prima nazionale

scene Roberta Mattera
costumi Giovanna Napolitano
musica Federico Odling
voce del mezzo soprano Caterina Tartaglione
durata 75 minuti

regia Marina Confalone

Un detto napoletano suona pressappoco come segue. Il matrimonio è come il mellone (cocomero), può uscire bianco o rosso; se esce rosso ritieniti un privilegiato; se esce bianco non hai che da inveire contro te stesso e contro la tua sorte, e magari prenderla a calci, sempreché ti capiti a tiro.
Non diversamente accade nelle favole. E Cenerentola Maritata ne sa qualcosa.
Convolata ad entusiasmanti nozze con il suo Principe Azzurro, che l'ha fortemente voluta per il suo piedino da geisha, dopo il matrimonio viene dalla Regina Madre sottoposta ad una serie estenuante di esercizi fisici e morali, una sorta di "Università di Candbridge" Reale che la trasformi da domestica qual'era in una principessa di sangue.
Ma la frequentatrice di camini non è di quelle che si piegano a discipline indirizzate a stravolgerne l'origine. E così il maestro di danza, quello di musica, e tanti altri docenti delle tante virtù che distinguono l'aristocrazia dalla plebe, si devono ritirare in buon ordine, sconfitti e sconfessati da una creatura che non è affatto disposta a perdere le sue radici, a cambiare pelle, ad applicare al suo viso una maschera che non le appartiene.
La conseguenza è una sola: viene ricacciata in maniere tutt'altro che araldiche nelle cucine del Palazzo, ad attendere alle defatiganti commissioni che le sono congeniali, vedi spazzare, fare il bucato, stirare, rammendare  e, quando occorre, lavorare a maglia.
E' appunto mentre sferruzza, che la cogliamo dedita ad esternare tutto il suo rancore contro un destino che si è comportato come il sole, quando squarcia le nuvole invitando i cuori alla gioia di vivere, ma  presto si ritira dietro nembi più minacciosi del grigiore iniziale.
Se poi la sorte degli altri 'colleghi di favola', a suo dire, non è stata granché diversa, questo dovrebbe avvalorare il proverbio "mal comune mezzo gaudio". Ma Cenerentola non ha nessuna simpatia per i proverbi, e  lo dice senza mezze parole. E nel frattempo prepara la sua mitica vendetta.

Manlio Santanelli 


n.140  Manlio Santanelli    letto 3321 volte   Categoria BnCs2010 600
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BnCs2010 - sab 04-09-2010 20:30, Piazza Roma
Viaggi da fermo
viaggi alla volta delle città del mondo senza spostarsi di un millimetro vari spettacoli in varie date - vedi scheda
direzione artistica Massimo Lanzetta

sabato 4 settembre - Paris
Piazza Roma
ore 20:30
ore 23:00
durata 50 minuti
max 25 spettatori

domenica 5 settembre - Lourdes
Piazza Roma
ore 20:30
ore 23:00
durata 50 minuti
max 23 spettatori

lunedi 6 settembre - Lisbona
Piazza Roma
ore 21:30
durata 50 minuti
max 150 spettatori

martedi 7 settembre - Fermata libera
Piazza Roma
dalle 21:00


  Il Teatro delle Gru e il Teatro dei Sassi presentano il GRUBUS THEATRE, autobus a due piani trasformato in teatro viaggiante.
Il Grubus Theatre nasce per rendere nomade il progetto di teatro contemporaneo delle due compagnie e per essere luogo di incontro, discussione, pratica e trasmissione del linguaggio del teatro contemporaneo. Il Grubus viaggia con 11 artisti e un'autista, al suo piano inferiore ospita la foresteria, l'ufficio e i posti per viaggiare, al superiore la sala teatrale per 25 spettatori. Alcune trasformazioni permettono l'apertura della fiancata destra ampliando così la sala ad un maggior numero di spettatori. Per i giorni di permanenza nella città di Benevento propone i Viaggi da fermo: progetto che scommette sulla possibilità di intraprendere viaggi alla volta delle città del mondo senza che il GRUBUS si sposti fisicamente di un millimetro. Questo lavoro affonda le sue radici nello studio del jazz: le parole, le relazioni e le storie si compongono al presente a partire da frammenti di studi condivisi (letterari, cinematografici, musicali) che riaffiorano nell'agire. I viaggi sono come sessioni live, a volte in stile be-bop, a volte free. 

I Viaggi da fermo proposti sono: 

Paris, un viaggio con Luciana Paolicelli, Giovanna Staffieri e Marco Tizianel nell'amore vero, reale, nell'amore oscuro, nell'amore che trema nell'ombra.
Lourdes, un viaggio con Luciana Paolicelli, Giovanna Staffieri e Dario Garofalo in cui vite parallele, miracoli e miserie si incontrano, dove l'imperfezione è quello che rende quasi perfetti.
Lisboa, il viaggio con Luciana Paolicelli, Giovanna Staffieri e Paola Carbone dove il Grubus apre le finestre verso l'esterno. Un viaggio dove tutto è incantamento, sogno. Una capsula di vita racchiusa fra due momenti di sonno eterno.
Per l'ultimo giorno di sosta il GRUBUS propone la Fermata Libera: giornata interamente dedicata agli artisti e agli operatori culturali della città. Il teatro viaggiante offre il suo spazio a chi condivide con il Teatro dei Sassi e il Teatro delle Gru la necessità di stringere relazioni e collaborazioni, scambiare esperienze o mostrare opere artistiche.
 

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BnCs2010 - da dom 05-09-2010 20:00 a lun 06-09-2010 20:00  -  Mulino Pacifico
La parola ultima
Liberamente ispirato a “The rest is silence” di Miklòs Hubay
Prima nazionale 

durata 70 minuti 
la visione è consigliata ad un pubblico adulto  
 
Drammaturgia e regia,
Antonio Damasco
consulenza linguistico-letteraria, Valter Giuliano  
Con Laura Conti, Michelangelo Fetto, Antonio Intorcia  
Aiuto regia, Valentina Padovan
scenografie e costumi, Daniela Donatiello e Alice Imperiale
direzione di scena, Paola Fetto
logistica, Tecla Iervoglini
responsabile tecnico, Bruno Ferreira da Veiga  
produzione Teatro delle Forme e Solot Compagnia Stabile di Benevento 
con il sostegno del Sistema Teatro Torino 
e con il contributo della Regione Piemonte
in collaborazione con la Fondazione Teatro Stabile di Torino
  

Una scioccante tragedia: un'etnia che si estingue, l'uccisione di una lingua ed il suo ultimo parlante Un'opera teatrale tremendamente moderna per descrivere una realtà passata e presente a molti sconosciuta. L'opera narra la storia della giovane Aleluja, condannata a morte in quanto ultima rappresentante del suo popolo, un popolo ormai distrutto. Accanto a lei il suo carceriere, il cui nome è emblema della sua situazione; il Rinnegato nasconde, infatti, la sua appartenenza allo stesso popolo della condannata, ed ha rinunciato a parlare la sua lingua per salvarsi, egli afferma «io volevo restare in vita. Rinnegato è sinonimo di sopravvivenza». Ultimo personaggio è un inesperto gesuita che arriva per cogliere dalla bocca di Aleluja, prima che sia troppo tardi, le parole di quella lingua destinata ormai a scomparire. Incontrare le parole di Miklós Hubay, quelle stesse che decretano in un poema immaginario, la fine di altre parole, di intere comunità, modi di esprimere l'amore e l'odio, modi di mangiare e parlare prima di dormire, ci rende responsabili di una memoria. Se la scomparsa di una parola corrisponde al disuso dell'oggetto a cui si riferisce e successivamente alla sua completa estinzione, il dileguamento di una lingua determina la morte di un popolo.    
 

 

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BnCs2010 - dom 05-09-2010 22:00, Arco del Sacramento
Na curtellata sì, ma schiaffe maje
Canzoni napoletane “di giacca” a cura di Gennaro Del Piano
Gennaro Del Piano, canto voce recitante
Raffaele Tiseo violino, arrangiamenti originali
Antonello Rapuano pianoforte
Peppe Timbro contrabbasso
Saverio Coletta fisarmonica
Giancarlo Sabbatini, percussioni  

produzione A.T.E. Arte Teatro Eventi   

durata 60 minuti

Così all'inizio del secolo scorso vennero definite le canzoni napoletane che si discostavano dalle atmosfere idilliache vagheggiate in tante fortunate creazioni, per esprimere invece sentimenti forti quali gelosia, desiderio di vendetta, sdegno per l'onore tradito... Brani dall'intenso contenuto drammatico che si ispiravano ad eventi  spesso tragici di carattere popolare, e che per tal motivo - in ambito teatrale - venivano interpretati da cantanti in tenuta borghese (con la giacchetta, appunto) e non con la consueta marsina. Canzoni che – pur avendo sofferto di una ingiusta esecrazione, in quanto maldestramente collegate alla successiva e squallida pletora di brani "malavitosi" -  furono e sono tuttora grandemente conosciute ed amate, specie dai veri intenditori della musica partenopea, che ne apprezzano l'intensità, il pathos, l'autenticità. Collegata a tale produzione vi fu poi quella di brani dall'intento caricaturale, tesa a sdrammatizzarne gli eccessi. Questi gli ambiti indagati nella circostanza dall'Ensemble Heliopolis, che intende offrirne una riproposta rispettosa ed insieme divertente e divertita.

n.148  Ensemble Heliopolis    letto 3731 volte   Categoria BnCs2010 1500 - Commenti 1
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BnCs2010 - lun 06-09-2010 19:00, Teatro De Simone
TeenOrchestra
TeenOrchestra del Conservatorio “Nicola Sala” di Benevento in concerto
Direttore Gianluca Giganti 

Ingresso libero fino ad esaurimento posti
Durata del concerto 60 minuti


La TeenOrchestra è la compagine più giovane del Conservatorio che mette assieme gli studenti delle scuole di archi interagendo, a seconda del programma, con altre classi come le percussioni e i fiati. Composta da giovani e giovanissimi, l'età media è 14 anni, ha debuttato sotto la guida del Maestro Gianluca Giganti per la Festa Europea della Musica, avvalendosi della collaborazione fattiva dei Maestri Michelangelo Massa e Laura Morelli, nonché dell'apporto didattico-professionale dei docenti di riferimento.   

PROGRAMMA

A.Vivaldi
Sinfonia in Re Maggiore per Archi RV 121
Allegro-Adagio-Allegro

A.Vivaldi
Sinfonia in si minore per Archi "Al Santo Sepolcro"

G.Ph.Telemann
Allegro dal Concerto in Sol Maggiore TWV 51
Violino solista: Vincenzo Iovino

B.Marcello
Adagio e Allegro dalla Sonata IV in sol minore, op.2
Violoncello solista: Emilio Mottola

W.A.Mozart
Sei Danze Popolari Tedesche per Archi,  KV 606  
       
J.H.Schmelzer
Balletto di matti dalle "Danze Viennesi"

Franz Joseph Haydn
Sinfonia dei giocattoli
Allegro-Menuetto-Finale- Allegro  






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BnCs2010 - lun 06-09-2010 21:00, Teatro Comunale
Onde cromatiche e variazioni
(Pitagora aveva ragione)

Francois Joel Thiollier
concerto per piano solo

concerto della XVIII Riunione Nazionale di Elettromagnetismo offerto da CST - Computer Simulation Technology AG. Darmstadt

pianoforti Santarpino

Ingresso ad inviti
durata 75 minuti

François-Joël Thiollier (Parigi, 1943) è nato a Parigi da una famiglia franco-americana di professori universitari. E' stato un bambino prodigio e ha tenuto il primo concerto a New York a cinque anni.
Allievo in Francia di Robert Casadesus e, successivamente, negli Stati Uniti di Sascha Gorodnitzki alla Juilliard School di New York, ha conseguito il Bachelor a diciotto anni e il master l'anno dopo, con il massimo dei voti in tutte le discipline, accademiche e musicali. Thiollier ha vinto 8 Grands Prix pianistici internazionali, risultato senza precedenti, tra cui il "Reine Elisabeth" del Belgio ed il "Tchaikowski" di Mosca.
Ha suonato con le maggiori orchestre, tra cui le Filarmoniche di Leningrado e Mosca, la Concertgebouw di Amsterdam, la Residentie Orkest dell'Aja, l'Orchestra della Rai di Torino, l'Orchestra di Santa Cecilia, l'Orchestre de Paris, l'Orchestre National de France, la London Symphony Orchestra, e si e' esibito nelle sale più prestigiose (Théatre des Champs Elysées, Berliner Philharmonie e Konzerthaus, Bunka Kaikan e Suntory Hall a Tokyo, Palais des Beaux Arts di Bruxelles, Auditorium di Madrid, La Scala di Milano, La Fenice di Venezia, la Sydney Opera House Concert Hall, etc).
Le straordinarie doti tecniche e l'eccezionale cultura musicale di Thiollier rifulgono nelle sue masterclass, in cui ogni brano viene preliminarmente inquadrato nel suo contesto storico-musicale e stilistico.
Tra le sue incisioni discografiche, l'integrale dell'opera pianistica di Rachmaninov per RCA-Thesis, e quelli di Gershwin, Debussy e Ravel per Naxos e Grave. Il suo vasto repertorio include anche Satie, Franck, de Falla, Liszt, Scriabin, Mozart, Beethoven, Brahms, Busoni, del quale ha inciso per Kontrapunkt il monumentale Concerto per pianoforte, ed il pianismo virtuosistico ottocentesco (Czerny, Tausig). Vincitore di numerosi premi discografici, nel 2003 è stato nominato Officier des Arts et des Lettres.


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BnCs2010 - lun 06-09-2010 22:00, Teatro Massimo
Lupus
Prima nazionale

Drammaturgia
Natale Cutispoto, Francesca Paola Scancarello, Valerio Vestoso
Interpreti
Carlotta Boccaccino, Adriana Cappelluzzo, Bruno Petretti
Scene & Costumi
Luana Mollichella e Assia Patrone
Organizzazione generale
Bruno Petretti

Regia
Natale Cutispoto    


Durata 50 minuti

Lupus nasce sicuramente dall'esigenza di esprimere un malessere.
La tematica è attuale, forse troppo. Quello che si vuole mostrare è l'azione di ciò che accade "intorno" al potere. Si è avvertito il bisogno di rappresentare qualcosa che fotografasse lo stato di perenne corruzione morale in cui vive la società che ci ospita. L'idea di un soggetto affetto da una malattia degenerativa, da un LUPUS appunto, ha rappresentato per noi la strada migliore per gridare quest'insofferenza attraverso i chiaro scuri che solo il linguaggio teatrale sa fornire. Ci piacerebbe che l'arte tornasse ad essere partecipe nella costruzione di proposte civili e culturali rispettose della persona e vorremmo infine che il nostro spettacolo rappresentasse anche un gesto politico libero, una provocazione per smuovere i culi pesanti che sono diventati i nostri cervelli. 

"Il potere logora chi non ce l'ha", ne siamo assolutamente sicuri?

Sinossi Finestre grandi come portoni o piccoli come buchi della serratura, attraverso cui lo spirito voyeuristico dell'Italiano trova massimo sfogo. Sul palcoscenico dell'ovvietà si avvicendano personaggi che conoscono il mondo ma non sanno nulla di loro stessi che sono in preda all'arrivismo, all'abitudine, al disorientamento mediatico. Le loro storie prendono vita un "pezzo" alla volta, come statuine di un carillion.

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BnCs2010 - da mar 07-09-2010 20:00 a mer 08-09-2010 20:00  -  Teatro Comunale
Barbablù
Prima nazionale


7 sett ore 20.00
8 sett ore 20.00
durata 75 minuti



da Perrault
testo di: Pino Carbone e Francesca De Nicolais
con: Francesca De Nicolais  e  Luca Mancini
e con le bambine: Arianna Attanasio, Elena Garofano,
Francesca Guerra, Luana Malegieri, Martina Santarcangelo
consulenza amministrativa: Alessandra Narcisi           
ufficio stampa: Valeria Zecchini            
grafica: Pasquale Aversario                                                                  
aiuto regia: Luigi Morra                                               
musiche: Camera
Regia: Pino Carbone 


"La sua barba non è poi così blu": è la protagonista della fiaba a dirlo, a pensarlo per convincersi ad accettare e sposare Barbablù. Tutto ha inizio proprio da questa considerazione, a dispetto di ciò che pensano tutti gli altri, che considerano Barbablù un mostro, che fa paura per il suo aspetto, per la sua strana barba e per il mistero che lo avvolge, che riguarda le sue precedenti mogli di cui nessuno sa che fine abbiano fatto. "la sua barba non è poi così blu": un pensiero tanto ingenuo, quanto coraggioso. L'ingenuità e il coraggio, la curiosità, sono questi i principali elementi che danno vita al racconto. Che muoveranno i personaggi principali, Barbablù e Judit. Due solitudini che si incontrano, che si confortano a vicenda, che si proteggono a vicenda dagli sguardi e dai commenti, dai pregiudizi, degli altri. Barbablù soffre, come un moderno minotauro, un fenomeno da baraccone, che accumula rancore, diffidenza, soffre per una solitudine e un pregiudizio che lo feriscono e lo incattiviscono. Un mostro creato dal giudizio degli altri: "i mostri siamo noi a crearli con la nostra paura verso ciò che da noi è diverso". Il finale sarà drammatico: Barbablù verrà "tradito" e ucciso dalla donna che ha sposato e che non ha resistito alla grande tentazione, ha ceduto alla curiosità di entrare nella stanza dove Barbablù nasconde i corpi delle precedenti mogli che ha amato e che poi ha assassinato. Una fiaba che commuove, soprattutto perché è una grande storia d'amore. L'amore che può diventare tragedia se non viene accettato e capito dagli altri. Oltre ai due protagonisti, Barbablù e Judit, in scena ci saranno cinque bambine, di 9 e 10 anni, che saranno vestite con abiti di donne adulte, vestiti troppo grandi per loro,  che le pone a metà strada tra il mondo degli adulti e quello dei bambini, come lo è Judit, che di colpo è costretta a diventare donna e sposare un uomo agli occhi di tutti spaventoso. Le bambine oltre ad interpretare con le loro reazioni le varie emozioni che la fiaba racconta, saranno anche le mogli del "mostro" chiuse nella stanza segreta. Una presenza, quella delle bambine, importante sia nel lavoro di ricerca e di costruzione dello spettacolo, sia in scena, addolcendo l'atmosfera generale e rappresentando il  linguaggio più aderente al racconto, ricordandoci sempre che si tratta di una fiaba.
In scena ci sarà una grossa gabbia, che concretamente sarà il castello di Barbablù, dentro il quale lui si sente di fatto prigioniero, perché fuori incontra solo diffidenza e un rifiuto che lo costringono a creare all'interno il suo mondo. Dopo il matrimonio diventerà, quindi, la prigione dorata dei due sposi, entrambi prigionieri della loro intimità. Poi diventerà la stanza dei giochi delle bambine, e sempre più chiaramente il pubblico si renderà conto che in realtà quella è la stanza segreta di Barbablù, dove le bambine, completamente vestite di bianco, giocano con stoffe e vestiti rossi. Stoffe e vestiti che a quel punto sembreranno macchie di sangue, che con una semplice, elementare e anche tenera associazione trasformano le bambine nelle mogli uccise e rinchiuse. Tutto con un'atmosfera giocosa, teatrale e fiabesca.



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BnCs2010 - mar 07-09-2010 20:30, Arco del Sacramento
Gli amanti di Verona
Il pietoso caso di Giulietta e Romeo

Lettura racconto
durata 75 minuti

con  
cantante: Barbara Eramo
polistrumentista: Stefano Saletti
attori: Fabio Cocifoglia
Manuela Mandracchia


La sfortunata morte di dui infelicissimi amanti che l'uno di veleno e l'altro di dolore morirono,   con vari accidenti.      
Il progetto parte dall'idea di portare in teatro le novelle italiane che sono state fonte di ispirazione delle opere shakespeariane : "il Moro di Venezia" e "Misura per misura" dagli Ecatommiti del Giraldi Cinzio, " Gli amanti di Verona" e "Molto rumore per nulla" dalle novelle del Bandello.      
La formula racconto-concerto ci permette, attraverso la fusione di parola e musica, di creare una partitura globale con intrecci contrappuntistici e concertazioni che diventano uno straordinario veicolo di fruizione da parte del pubblico.      
Sebbene in un linguaggio completamente diverso, "Gli amanti di Verona" del Bandello non ha nulla da invidiare all'opera shakespeariana per potenza emotiva, intreccio, alternanza di climi.  
E' anzi divertente notare le differenze con l'opera di Shakespeare : da come si svolge la storia d'amore tra i due amanti che più e più volte si accoppiano nel giardino "essendo Romeo giovine, di forte nerbo e molto innamorato", a Giulietta che vuole raggiungere il suo Romeo travestendosi da uomo, all'ambigua figura di frate Lorenzo, a come muore Giulietta.  
Attori e musicisti raccontano insieme , con gli strumenti che hanno a disposizione ( le canzoni di repertorio, i personaggi archetipali, la musica e il testo) una storia che tutti conoscono, un affresco delle più travolgenti passioni umane: l'amore al tempo dei "...Montecchi e dei Cappelletti, ne la Verona di Bartolomeo Scala...", un amore così forte che "…tutte le volte che lo racconti sembra impossibile debba così finire…". 
Dopo aver fatto incontrare le parole del Bandello con la musica rinascimentale, questa volta il racconto si intreccia con il repertorio world music di Stefano Saletti e Barbara Eramo, dove si fondono elementi di musica pop con elementi di musica etnica.  
E quasi sull'onda ironica e dissacrante del progetto di Buz Luhrmann, proprio su Romeo e Giulietta, abbiamo trovato divertente e stimolante l'incontro tra la novella del Bandello e la loro rilettura in chiave world music di classici della disco music anni '70.        

n.152  Matteo Bandello di Mandracchia e Cocifoglia    letto 2742 volte   Categoria BnCs2010 2200
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BnCs2010 - mar 07-09-2010 20:30, Parco Cellarulo
Cinema in concerto
Grande Orchestra 'Chaikowski' Leonardo Quadrini
direttore Leonardo Quadrini
proiezioni sincronizzate
regia Pino Finizzo

durata 90 minuti 
   
Da alcuni anni la Grande Orchestra "Chaikowski" propone -per la direzionedel maestro Quadrini- un concerto dedicato alla grandi colonne sonore passate alla storia e diventate classici del grande patrimonio musicale. Una serata arrichita dalla proiezione sincronizzata delle immagini più belle e rappresentative dei relativi films citati così da creare un intenso incontro tra memoria visiva e ricordi musicali delle colonne sonore, molte delle quali in suite, più lunghe quindi del solito tema riconoscibile e canticchiabile. Ma brani come Rocky, Nuovo Cinema Paradiso, Star trek, Indiana Jones, E.T., Love story, West Side Story ecc non hanno quasi bisogno di ausilio.
Per una serata basata sull'incontro di due elementi semplici ma convergenti - l'orecchio e l'occhio - e dedicata ad un pubblico vasto che ama la grande musica e il grande cinema. .        


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BnCs2010 - mar 07-09-2010 22:00, Palazzo Paolo V
Permette, conte Tolstoj, che le misuri il cranio?
Prima nazionale

di Luciana Grifi
con Luigi Mezzanotte, Miriam Campaniello, Michele Del Grosso, Oreste Valente 
regia Sergio Basile

durata 90 minuti

Il dramma prende spunto dall' incontro, avvenuto nel 1897, tra Cesare Lombroso, l'antropologo criminale italiano e Lev Tolstoj.  Per Lombroso quell'incontro era l'occasione per confermare -"sul campo"- la sua teoria sulla "degenerazione" del genio. Nella realtà storica, lo scrittore, intuendo il ruolo di soggetto da esperimento che stava per interpretare, reagì trattando scortesemente l'alienista italiano, congedandolo con sufficienza. Nel dramma di Luciana Grifi, invece, Tolstoj, su provocazione della moglie Sofija, accetta di sottoporsi - quasi per un gioco da salotto - "all'indagine scientifica" di Lombroso.  Dopo aver acconsentito a lasciarsi ipnotizzare, Tolstoj si trasformerà, dando voce a un personaggio di sua invenzione, ad un suo alter ego "negativo" sepolto nel suo inconscio, diverrà Podznicev, il protagonista uxoricida della Sonata a Kreutzer.   Ed è proprio la Sonata a Kreutzer, dove viene descritto l'inferno quotidiano di una coppia di coniugi che sfocia in un assassinio per gelosia, ad essere lo specchio deformante  in cui si riflette un altro rapporto matrimoniale, quello reale di Lev e Sofija, divenuto con gli anni,  per entrambi,  un nucleo perverso di sofferenza quotidiana. La vita coniugale dei  personaggi romanzeschi della Sonata (Podznicev e la moglie)  e quella dei coniugi Tolstoj, si sovrappongono e si ribaltano continuamente, dando vita a una sequenza di "scene da un matrimonio" acri e crudeli, dove la linea di demarcazione tra realtà e finzione, tra autore e personaggio,  viene continuamente infranta.

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BnCs2010 - da mer 08-09-2010 20:30 a gio 09-09-2010 20:30  -  Deposito autobus AMTS
Nuvole barocche
con il patrocinio della Fondazione Fabrizio De André
Durata 70 minuti

drammaturgia e regia Gabriele Di Luca, Massimiliano Setti, Luca Stano  
collaborazione alla regia Alessandro Tedeschi  
interpreti Fabrizia Boffelli, Gabriele Di Luca, Massimiliano Setti, Luca Stano  
luci Diego Sacchi  
costumi e organizzazione Luisa Supino  
produzione Corrozzeria Orfeo/ Questa Nave
collaborazione alla produzione Centro Rat Teatro dell'Acquario
        
Menzione speciale della Giuria al Premio Tuttoteatro.com Dante Cappelletti      
Menzione speciale della Giuria al Premio Nuove Sensibilità del Napoli Teatro Festival Italia 

1979: l'estate dei grandi sequestri e del rapimento di Fabrizio De Andrè e Dori Ghezzi. Nello stesso periodo tre ragazzi di ventisette anni, in passato amici e da diverso tempo lontani tra loro, si ritrovano in uno scantinato per rapire un bambino. Essi hanno, per tre motivi diversi, un disperato bisogno di denaro.

La disillusione, il rapporto con la loro infanzia, l'amicizia ormai tramutata in qualcos'altro e la perdita della loro innocenza, sono i temi che dominano i dialoghi. La periferia: luogo border-line, luogo di confine tra il lecito ed illecito, tra l'illusione e la disillusione, tra sogno e realtà. Vorrebbero tornare indietro alla loro giovinezza per recuperare uno sguardo ormai perso, ma tutto è svanito per sempre, tutto ormai ruota intorno all'inganno e alla speranza di un riscatto sociale.

L'anarchia (Nico), l'alcolismo (Beppe) e l'emarginazione (Pier) come punti di contatto tra i tre protagonisti ed il cantautore genovese. La vicenda come simbolo della crisi sociale all'interno del proletariato e come culmine dei tormentati anni '70 con un occhio di speranza ai vicini '80. Si parla di Sardegna, dell'Anonima, di povertà, di emarginazione, di alcolismo, di anarchia, attraverso la voce e l'agire di questi tre ragazzi che hanno perduto il contatto con il mondo, con le istituzioni e soprattutto con se stessi.

Il titolo "Nuvole Barocche" si ispira all'omonimo album e alla canzone " Le nuvole" di Fabrizio De André. Proprio come quelle nuvole in cielo, cosi abbondanti di strani ghirigori, gravide di pioggia e pronte ad esplodere da un momento all'altro, anche all'interno dell'anima di Beppe, Nico e Pier qualcosa sta per esplodere, qualcosa si è rotto per sempre e, come la pioggia, chiede di essere liberato.   (durata 70 minuti)




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BnCs2010 - mer 08-09-2010 21:00, Arco del Sacramento
Tradère
Sancto Ianne in concerto

Gianni Principe – voce        
Ciro Maria Schettino – plettri        
Antonio Pasquariello – plettri        
Sergio Napolitano – fisarmonica        
Raffaele Tiseo – violino        
Massimo Amoriello – basso elettrico        
Alfonso Coviello – percussioni        
Pierluigi Iele – tecnico del suono                  
e con Filippo Franco e Dora Tretola 
Arteconfigurazioni Compagnia di circo contemporaneo ed arte di strada 
produzione Associazione culturale Multikulti
    
durata 120 minuti

I Sancto Ianne da quasi venti anni promuovono con grande passione lo studio, la ricerca e la diffusione della cultura e delle tradizioni popolari della propria terra, il Sannio Beneventano, attraverso i dischi, i seminari e i concerti in Italia e in diversi paesi europei.        
Il gruppo, in occasione della 31^ edizione del festival "Benevento Città Spettacolo", presenta un nuovo progetto che prevede oltre la partecipazione di altri musicisti del mondo della musica popolare del sud italia, la realizzazione di quadri condivisi con artisti appartenenti ad altri mondi espressivi.        
I Sancto Ianne hanno fatto la scelta di stringere il proprio legame con le tradizioni locali non solo attraverso il genere e gli strumenti musicali ma proponendo una rilettura della storia che è stata cronaca del nostro passato e che si propone come paradigma di una interpretazione anche letteraria della condizione umana.        
Da qui l'idea del gruppo di collaborare con musicisti, attori di teatro ed artisti circensi per dare una dimensione diversa alla loro proposta artistica a meglio sottolineare il senso profondo della conoscenza del proprio passato senza il quale nessuno può rivendicare un' identità che superi quella del "grande fratello" di turno.        
Il termine latino "tradere" - "passaggio"-, che dà il nome a questo lavoro, è stato, in realtà, scelto proprio per il suo antico significato. Con tale voce, a differenza dell'accezione negativa con cui la conosciamo oggi (tradire), si individuava il passaggio, la consegna del sapere attraverso le persone e le generazioni. Il "traditor" era il maestro, ovvero colui che tramandava, per l'appunto, le tradizioni.      
             
             


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BnCs2010 - gio 09-09-2010 21:00, Mulino Pacifico
L’altro magnifico Jerry
vari spettacoli in varie date - vedi scheda
Prima nazionale

9 sett ore 21.00 e ore 23.00
10 sett ore ore 21.00 e ore 23.00
11 sett ore ore 21.00 e ore 23.00

durata 75 minuti

In collaborazione con Napoli Teatro Festival Italia

di Massimo De Matteo e Sergio Di Paola  
con Michele Danubio, Sergio Di Paola, Peppe Miale, Bruno Tramice  
e con Carmen Annibale, Simona Barattolo, Andrea Cioffi, Noemi Coppola, Michelle Cuevas, Silvio De Luca, Viola Forestiero, Lorena Leone, Arturo Scognamiglio  
sonorizzazioni, Luca Urciuolo
scenografie, Luigi Ferrigno
coreografie, Lorena Leone
costumi, Alessandra Gaudioso
disegno, Luci Ettore Nigro
assistente alla regia, Michele Danubio
assistente scenografo e realizzatore scene, Armando Alovisi

regia Peppe Miale  

lo spettacolo è sostenuto dall'Associazione Alessandro Pavesi

Nel 2006 un lavoro appassionato di esplorazione sulle "maschere del '900" ci aveva naturalmente portato ad indagare, sulla figura artistica che lo stesso Groucho aveva indicato come suo successore: Jerry Lewis. Venimmo a conoscenza di una storia incredibile ambientata nella Germania nazista, storia raccontata in un film, "The day the clown cried" diretto ed interpretato dal divo di Hollywood. Il tormento che ne accompagnò la realizzazione ci ispirò l'idea di scrivere un testo teatrale che narrasse le vicende del personaggio e le vicissitudini accadute all'attore nel periodo di lavorazione del film (1971).

Innanzitutto provvedemmo a recuperare la sceneggiatura originale del film e la facemmo tradurre, studiando approfonditamente il percorso umano e artistico di Jerry, nonché il contesto storico. Raccogliemmo informazioni dettagliate sulle figure storiche cui si era ispirata Joan O'brien, autrice della sceneggiatura, per creare la figura di Helmut Doork, clown che "venne utilizzato dai carcerieri nazisti a accompagnare i bambini ebrei nelle camere a gas" (le parole sono quelle del produttore Nathan Wachsberger, quando prova a convincere Jerry ad interpretare Doork). Successivamente abbiamo contattato l'agente di Lewis che ci fornì ulteriori dettagli e aneddoti.

Nacque così l'idea de"L'altro magnifico Jerry", in un lungo lavoro di due anni per successive fasi progettuali, giungendo ora alla sua forma definitiva. Lo spettacolo utilizza tutti i linguaggi possibili per raccontare una storia al pubblico totalmente immerso nella narrazione.

Alessandro Pavesi, scomparso nel 2008 all'età di 19 anni, era uno studente di Giurisprudenza che, credendo nei valori di giustizia sociale e solidarietà, sognava di potersi un giorno impegnare nella tutela dei diritti umani. Si era anche iscritto ad uno specifico corso in materia presso l'università di Harvard (USA) ma un pirata della strada gli ha spento il sorriso e la speranza.
Vogliamo aiutare altri ragazzi a raggiungere i suoi sogni e a diffondere i suoi ideali: quei valori che hanno spinto la Fondazione Alessandro Pavesi ONLUS a offrire il patrocinio allo spettacolo "L'altro magnifico Jerry". Perchè giustizia e solidarietà non siano parole vuote, ma acquistino un significato concreto con il ricordo delle atrocità del nazismo, perché la memoria non solo rimanga viva ma venga rinnovata nei giovani, perché altre "piantine di Ale" si diffondano attraverso questo straordinario impegno della Compagnia Le Pecore Nere.
Per non dimenticare…
 
C'era una volta, e c'è ancora, Jerry Lewis . C'era una volta, e non c'è ancora, Helmut Doork. 
Il primo, mito comico del cinema hollywoodiano.
 Il secondo, un clown tedesco, proiezione  cinematografica di figure realmente esistite in quell' aberrazione dell'uomo che furono i campi di concentramento.
Helmut era stato un grande clown, anzi era stato "Doork il grande",  il clown più famoso di tutta la Germania pre–nazista. Poi, improvviso ed inspiegabile , un lento e doloroso declino lo aveva condotto alla depressione ed all'alcol. E fu proprio uno stato di ubriacatura a creare le premesse perché ,in una birreria , al cospetto di due ufficiali della Gestapo, Helmut prorompesse in un incauto sberleffo contro Adolf Hitler. Fu immediatamente arrestato e, per vicende mai fino in fondo chiarite, condotto nel campo di concentramento di Auschwitz, laddove era incaricato di  accompagnare i bambini ebrei alle camere a gas.
Jerry conobbe Helmut leggendo le pagine della sceneggiatura di Joan O'Brien e Charles Denton "The day the clown cried". Era in un momento difficile della propria vita artistica, il "picchiatello" non riscuoteva più il successo che solo poco tempo prima gli si tributava.
Le cause? Forse il naturale tramonto di una fantastica parabola , più probabilmente il mutare del gusto del pubblico, la cui sensibilità era ora figlia degli anni della contestazione.
Jerry decise che quella conoscenza fosse meritevole di approfondimento.
Jerry decise di essere Helmut Doork in quel film.
Jerry decise di essere anche "L'altro Magnifico Jerry".
Una magnifica e stupefacente favola.
Ecco tutto ciò che per noi è stata questa storia fin dal momento in cui l'abbiamo conosciuta. Una favola. Ci siamo sorpresi della vicenda di Helmut, commossi del succedersi degli eventi narrati, interrogati sul  perchè  Jerry Lewis abbia deciso di realizzare questo film. Non so quante risposte il nostro spettacolo riuscirà a dare. So che i bambini sono la chiave . Forse non per accedere alle risposte.
Sicuramente per accedere all'animo di Jerry , di Helmut,auspichiamo di tutti voi che avrete desiderio di ascoltare. Nella speranza che quel film, realizzato e poi mai distribuito, possa un giorno essere veduto da tutti noi.
                                                                
Peppe Miale


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BnCs2010 - da ven 10-09-2010 20:00 a sab 11-09-2010 20:30  -  Parco Cellarulo
“KischadaUaiNot”
(un altro Chisciotte? E perché?)

A cura di
Enzo Mirone e Peppe Fonzo

Prima nazionale

Durata 60 minuti

Cielo e terra si contendono Don Chisciotte. La fame lo ancora al suolo e le sue visioni lo innalzano verso il cielo.
Una tensione che tiene in bilico la sua "erranza"  tra una dimensione orizzontale che è quella del viaggio fisico e materiale ed una verticale, di natura spirituale. Un bilico che sta tra l'essere o il non essere "in cervello", tra la follia e la saggezza.  

"So io chi sono, e so che posso essere
non soltanto quelli che ho detto…"
Chisciotte

"KischadaUaiNot", performance conclusiva di un percorso di laboratorio realizzato in concomitanza/collaborazione col festival, è il risultato di un processo di DECO - DISTRUZIONE del testo e dell'immaginario di Cervantes, un attraversamento stupito e ragionato della poetica e dell'utopia costruita intorno al Chisciotte.   L'inseguimento ostinato di un'intuizione, l'elaborazione di un pensiero matematico e musicale da applicare alla concretezza dei corpi al lavoro, l'esigenza di un codice espressivo e di un linguaggio il meno "inadeguato" possibile, la realizzazione di una simultaneità di azioni, immagini, suoni e silenzi, la compresenza di più punti di vista e la loro orchestrazione: dal delirio di questa mescola di urgenze è nato K.U.N.

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BnCs2010 - ven 10-09-2010 20:30, Arco del Sacramento
L’Italiana in Londra
dramma giocoso in due atti

Ingresso libero fino ad esaurimento posti
Durata 145 minuti circa

libretto di Giuseppe Petrosellini musica di Domenico Cimarosa (1749-1801)

Livia, Dalia Maria Del Monaco
Milord, Raffaele Raffio
Polidoro, Luciano Matarazzo
Madama Brillante, Mina Troiano
Sumers, Davide Luciano    

Orchestra del Conservatorio "Nicola Sala" Benevento
al cembalo, Carla D'Onofrio
direttore, Francesco Ivan Ciampa
regista, Emanuele Di Muro  

scene, Raffaele Caravano
Costumi, Sartoria Angela De Rita
Attrezzista, Brunella De Laurentis
Assistente di palcoscenico, Nadia Perfetto
Luci, M.A.C. Service di Francesco Giordano e Alessandro Caso
Collaboratori al pianoforte, Kelly Lidiane Gallo e Carla D'Onofrio

Un'opera made in Conservatorio: a cominciare dal cast dei cantanti (quattro studenti e un'ex allieva), per passare agli orchestrali, studenti e professori Annamaria Bonsante, Gianluca Giganti e Luca Signorini, nelle prime parti, fino alla spalla Marco Serino. Anche il direttore e maestro concertatore nonché il regista sono docenti dell'Istituzione di Alta Formazione musicale. Il Conservatorio sannita si confronta quest'anno con una delle numerose opere di Domenico Cimarosa, grande esponente della Scuola Musicale Napoletana del Settecento, proponendola anche in ambito nazionale.  

La trama in breve: Livia, sotto lo pseudonimo di Enrichetta, dalla nativa Genova si reca a Londra in cerca dell'amato Milord Arespingh che conobbe un paio d'anni prima, il quale ha dovuto lasciarla perché il padre vuole destinarlo a nozze con una nobile inglese. La stessa, incontra nella locanda dove soggiorna, Sumers, un mercante olandese, Don Polidoro, un napoletano, e l'amato Milord. L'incontro tra i due innamorati genera alcuni equivoci e tensioni: Milord non la riconosce e Livia ignora ch'egli l'ama sempre, soffre e spera di ritrovarlo: quindi ella si crede abbandonata e finge di non conoscerlo. Intanto il padre di lei, saputo che alloggia a Londra, ha dato ordine di arrestarla: l'amico Sumers interviene, e dopo molto peripezie le nozze fra i due innamorati chiudono lietamente l'opera.

n.158  Conservatorio di Musica “Nicola Sala” di Benevento    letto 4407 volte   Categoria BnCs2010 3200
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BnCs2010 - da ven 10-09-2010 21:00 a sab 11-09-2010 19:00  -  Teatro Comunale
Mandragola
Prima nazionale

10 sett ore 21.00
11 sett ore 19.00
durata 120 minuti

Ideazione dello spazio, adattamento e regia di Ugo Chiti  
con Giuliana Colzi, Andrea Costagli, Dimitri Frosali, Massimo Salvianti, Lucia Socci e tre attori in via di definizione   costumi Giuliana Colzi; luci Marco Messeri  
musiche, Vanni Cassori e Jonathan Chiti

Ci sono appuntamenti che si possono rimandare a lungo, che si può per anni far finta di non dover onorare, ma arriva prima o poi il momento che quell'incontro diventa irrinunciabile e ti si presenta con l'urgenza che merita, come una necessità, un passo irrimandabile.
Questa è "La mandragola" di Niccolò Machiavelli per l'Arca Azzurra, un incontro che si sapeva di non poter eludere eppure sempre rimandato, sempre spostato più in là nel tempo, finché appena doppiata la boa dei venticinque anni di attività, dopo aver in qualche modo sfiorato il grande classico cinquecentesco, con la messinscena dell'altro grande testo del segretario fiorentino, quella "Clizia" che scrisse proprio a due passi da casa nostra, durante il suo esilio a Santa Andrea in Percussina, e che abbiamo portato sulle scene nel 1999, eccoci finalmente dinanzi a quella che da più parti viene definita la "Commedia perfetta", vero e proprio prototipo di tutta la letteratura teatrale italiana cinque e seicentesca.
Accanto ai piccoli e grandi affreschi, tracciati dalla drammaturgie originali di Chiti lungo questi 25 anni e che hanno ritratto con forza alcuni dei momenti più importanti della storia popolare del nostro paese e dell'immaginario della sua gente partendo dal piccolo microcosmo in cui lui e la compagnia operano, si sono sempre alternate storie tratte dalla grande letteratura toscana di tutte le epoche, dal Decamerone alla citata Clizia, dalle storie di inizio secolo ispirate ai racconti di Lucignani a "La cena delle beffe" di Sem Benelli.
Operazioni che con estremo rispetto dei capolavori originali hanno voluto restituirne una lettura non scontata e di maniera, privilegiando magari uno spunto minore, una suggestione particolare, una emozione suggerita da una lettura eccentrica e non proprio ortodossa. I grandi personaggi di Machiavelli i cui caratteri si ritrovano in molte tra le commedie dei grandi autori delle epoche successive, sono lo spunto per una nuova e appassionata immersione della compagnia e del suo autore e regista nelle straordinarie storie che hanno fatto grande la nostra letteratura.  

n.159  Niccolò Machiavelli    letto 2920 volte   Categoria BnCs2010 3300
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BnCs2010 - ven 10-09-2010 21:30, Piccolo Teatro Libertà
L'acquario
durata 50 minuti

Uno spettacolo di e con Marco D'Amore
Scritto da Francesco Ghiaccio  

Scene e costumi Laurianne Scimemi
Luci e foto di scena Marco Ghidelli
Datore luci Pasquale Papa
Video Alessandro Inglima
Organizzazione Giuliano D'Amore
Direzione tecnica Salvatore Bellocchio  

in collaborazione con Festival Settembre al Borgo

"È come una parte di mondo un fazzoletto di terra dentro una terra più grande lo chiamano acquario può sembrare enorme a chi è piccolo a chi nutre obiettivi minimi come ruotare intorno a un sassolino per tutto il giorno per tutti i giorni per tutta la vita alcuni abitanti dell'acquario sono nati in mare ne hanno un ricordo lontano che li raggiunge solo in sogno sono tormentati dalla visione della rete o dell'amo che li ha tratti in inganno hanno un'anima spenta che non li fa sperare più in nulla dormono vicino al tubo delle bolle per rivivere l'ebbrezza della tempesta raccontano di balene e squali a testimonianza di una vita spesa nel pericolo e nel sacrificio ma parlano invano perché tutti gli altri abitanti nati nell'acquario non credono a una parola non credono e non immaginano vivono a ritmi regolari non hanno sorprese e non vedono l'ora che la sera la luce si spenga."  

L'acquario è il nostro mondo e i pesci che lo abitano siamo noi.  

L'acquario è uno spettacolo scritto per un solo attore. Non è un monologo. Il testo, frutto di una drammaturgia originale, è composto di tre quadri. Nel primo viene rappresentato l'universo degli esseri che abitano l'acquario, nel secondo il potere che lo governa. L'ultimo quadro ha per protagonista una vecchia murena nata in mare che vive relegata e sola nell'angolo più buio e nascosto dell'acquario. Questo spettacolo è un tentativo di evasione.  


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BnCs2010 - da ven 10-09-2010 22:00 a sab 11-09-2010 22:00  -  Palazzo Paolo V
Dignità autonome di prostituzione
Dal format di Betta Cianchini e Luciano Melchionna  
luci Camilla Piccioni
costumi Michela Marino  
assistenti alla regia Roberta Caldironi, Roberto Saura, Renata Malinconico, Luca Setaccioli  
regia Luciano Melchionna

La durata può variare a seconda del percorso artistico    


Dignità  Autonome di Prostituzione è la Casa Chiusa dell'Arte. Attori come prostitute, protetti ma alla mercè dell'avventore/spettatore di turno, si lasciano scegliere, esaminare e soppesare in cambio della propria Arte e del proprio Cuore.
Rigorosamente in vestaglia o giacca da camera, adescano o si lasciano abbordare dai clienti mentre una "strana famiglia", tenutaria del Bordello, ha l'arduo compito di stimolare le contrattazioni con i clienti per stabilire il prezzo di ciascuna prestazione.

Conclusa la trattativa, il cliente - uno, due o piccoli e grandi gruppi, a seconda delle "perversioni" - si apparta con la prostituta di turno in un luogo deputato - una stanza, una macchina, una toilette... - dove fruirà di una o più pillole del Piacere Teatrale: monologhi o performance di quindici minuti circa, tratti dai classici del teatro o da testi contemporanei, perlopiù del Melchionna stesso. Un nuovo approccio allo Spettacolo, un modo per ridare "Dignità" al lavoro dell'Attore e al contempo una provocazione giocosa e sorprendente per riavvicinare il pubblico al mestiere più antico del mondo: il Teatro.
Pensate a un bordello e immaginate quante emozioni si consumano in quelle stanze chiuse, dove vizio e gioco si alternano; dove ogni sera pulsano i cuori di una trentina e più di 'squillo' mentre lungo scale e corridoi si consumano le 'compravendite', in un carosello esilarante di performance musicali e non.    

Lo spettacolo ha ricevuto il Premio Speciale Golden Graal 2008 'per l'idea e la regia' e il Premio Golden Graal come 'miglior attrice' a Elisabetta Cianchini e la Nomination al Premio ETI - Gli Olimpici del Teatro 2009 per la categoria 'Miglior spettacolo d'innovazione'.  


n.160  Luciano Melchionna    letto 3525 volte   Categoria BnCs2010 3600
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BnCs2010 - sab 11-09-2010 19:00, Hortus Conclusus
Libera caccia
Azione violenta di un danzatore perso
vari spettacoli in vari orari - vedi scheda

Prima nazionale

11 sett ore ore 19.00 e ore 22.30
Ingresso libero fino ad esaurimento posti
durata 20 minuti
  
di Francesco Gabrielli  e Michela Lucenti  
presentato in forma di studio per il Progetto Punta Corsara nell'ambito di Avvicinamenti a Scampia 2010 - danza al Madre 

con Francesco Gabriellli
regia Michela Lucenti      

La storia impossibile e noi la sappiamo
La disperazione della bestia, comprensibile
Tutti la vediamo
Dobbiamo finire Caino?
Gia' lo sta' facendo da solo,
sediamoci a guardare
La sua fine sara' dolce libera calda.    

Un tappeto lucido del colore delle camere dei bambini, un canto lieve, una giovane donna, un duetto con una bambolina di plastica e la dichiarazione poetica di un uomo travestito da scimmione.
La solitudine foriera di violenza, di animalità. La provincia.

L'abbrutimento di un paese sotto le spoglie di un giovane uomo, di un giovane animale che rivendica la sua possibilità di esistere solo attraverso la possessione di un'altra creatura. Uno spazio semplice, un terreno giallo acido, il colore della follia e della terra secca, arida che non frutta più.

Il ricordo slavato di un immaginario pop della storia d' amore impossibile per eccellenza, quella di un King Kong, in fondo la bestia buona, la bestia non capita.

Raccontiamo di un assassinio secondo una poetica graffiante del balletto civile, attraverso poche parole cattive e divertenti, ahimé, ed una serie di azioni compresse della nostra danza teatrale accompagnate da una colonna sonora densa e acida. Anche in questa operazione non vogliamo ne' difendere ne' giudicare, diamo uno spazio a Caino nel quale parlare.     
 

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BnCs2010 - sab 11-09-2010 20:00, Teatro Massimo
Blu
Prima nazionale

durata 55 minuti

Regia e drammaturgia Valentino Villa 
con Marco Angelilli, Sarah Silvagni, Franca Penone, Stefano Vona Bianchini 
scene e costumi Francesco Mari
luci Gill McBride
collaborazione ai video, Primo De Santis, Luigi Ciccaglione
proiezioni live, Francesco Mancori
collaborazione coreografica, Monica Vannucchi
assistente alla regia, Michele Lisi
tecnico luci, Raffaella Vitiello 


Gilles de Montmorency-Laval barone di Rais, nato a Machecoul il 10 settembre del 1404, l'uomo più ricco della Francia medioevale, ossessionato dalla bellezza e dal lusso, occultista, alchimista, protetto dalla Chiesa francese, ha ucciso, ogni volta dopo inaudite forme di stupro, più di duecento bambini ed adolescenti maschi, pratica che aveva iniziato nel 1432 per soddisfare il suo sadico piacere sessuale. Morì sul rogo. Pochi decenni dopo la coscienza popolare, per trovare forme sostenibili di racconto della storia di Gilles de Rais, lo trasformò in Barbablù; sostituendo ai bambini sette mogli inconsapevoli ed innocenti.

Gilles de Rais, secondo la definizione di George Bataile, è 'il più grande criminale della storia dell'uomo'. Gilles de Rais, Barbablù, la violenza sugli innocenti, modernamente etichettata come pedofilia, la religione come alibi, le nebbie e le colpe di ogni Chiesa, la violenza sulle donne, l'innocenza della vittima, l'innocenza del carnefice, la vittima carnefice, i rapporti convenzionali, e quindi noti, fra uomo e donna, quelli nascosti e striscianti, trovano in BLU un luogo in cui poter essere raccontate.

BLU è una riflessione amorale sulla violenza e sul male. La visione è però sconsigliata ad un pubblico alla ricerca di visioni consolatorie. Perché in BLU non c'è neanche una goccia di sangue, non c'è neanche un corpo nudo. L'osceno rimane, deve rimanere, fuori dalla scena.

Chi assiste allo spettacolo crede, almeno temporaneamente, di vedere una commedia di natura poliziesca. Lentamente ed inesorabilmente lo spettatore comincerà ad intuire, complice la musica di Béla Bartok, gli interventi in video, la danza, le parole ambigue, le sovrapposizioni spasmodiche dei piani di racconto, che dietro la facciata 'per bene' delle mogli vive di Barbablù si nasconde il complice prediletto di Gilles de Rais, monsieur Poitou. Dietro l'acutezza dell'imputato e la sua smorfia geniale ed ironica, si nasconde l'incarnazione del male, del potere, nella sua peggior accezione.  

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BnCs2010 - da sab 11-09-2010 21:00 a dom 12-09-0010 19:00  -  Teatro De Simone
The Bugs Benni Show
viaggio teatralmusicale su testi di Stefano Benni
Prima nazionale
con Veronica Mazza 

musiche Lorenzo Hengeller
scene Luigi Ferrigno
costumi Sabrina Chiocchio 

regia Stefano Sarcinelli 
  
Durata 75 minuti

Veronica Mazza, attrice di talento e sensibilità accesa si tufferà anima, corpo e voce nel repertorio del Benni, reciterà monologhi, scene, poesie, brani inediti lasciando che il suo cuore batta forte, talmente forte da divenire il cuore stesso dello spettacolo. La sua musica.

Si la musica. Benni nella musica ci sguazza, ci respira.

I suoi testi sono jazz puro e sono soprattutto musicali. E' una ballata "spettacolare", un percorso teatral musicale, contrappuntato dalle note di Lorenzo Hengeller, tra le poesie, le canzoni , i romanzi , le invettive e i personaggi editi e inediti partoriti dalla fantasia del celebre autore bolognese.

Un incontro curioso e stimolante tra l'immaginazione di un grande autore e la creatività di un'attrice di talento che hanno fatto del registro comico un'arte per nascondere, quel tanto che basta, il tragico e il patetico che sempre si annidano dietro ogni risata. 
  
  
  
    
  
 

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BnCs2010 - sab 11-09-2010 23:00, Piazza Vari
Ipse Dixie
Concerto
Ingresso libero fino ad esaurimento posti

La musica "Dixieland" è uno dei nomi che diamo al jazz delle origini, quello di New Orleans, emigrato poi a Chicago, New York e Kansas City dopo la chiusura del celebre quartiere a luci rosse di Storyville nel 1917. Una musica dove il ragtime incontra la banda, il blues la quadriglia, l'Africa l'Europa. Che riesce a essere popolare, da intrattenimento, e allo stesso tempo creativa e innovatrice. Musica da festa e da parata, da bordello e da funerale.


Ipse Dixie schiera gli strumenti tipici del Dixieland: clarinetto, tromba, banjo tenore, tuba, batteria; strumenti portatili che permettono al gruppo di suonare anche marciando per animare strade e piazze, nel solco delle celebri "marching bands" di New Orleans. Si ispirano ai primi grandi del jazz: "Ipse" è di volta in volta Armstrong, Jelly Roll Morton, Nick La Rocca, Bix Beiderbecke, Frankie Trumbauer, Eddie Lang, Johnny StCyr, Gene Krupa…

Il repertorio del gruppo si compone dei loro arrangiamenti di musiche che spaziano su tutta la gamma dei registri espressivi del genere: l'incalzante Tiger Rag, canzonette classiche come Hello Dolly o Gone with the Wind, il blues, il ragtime, veri inni del Dixieland come When the Saints Go Marching In, fino alla struggente musica da funerale di St. James Hospital. 
  
La formazione 
Lello Settembre, clarinetto: musicista di grande esperienza e sensibilità, Lello è da parecchi anni un caposaldo della scena musicale napoletana, in cui spazia dal folk al jazz e al classico. Ciro Riccardi, tromba: diplomato in Musica Jazz al Conservatorio di San Pietro a Majella, è anche laureato in lingua e letteratura con una tesi su Miles Davis, ma quando suona Dixieland guarda oltre, a Louis e Bix. Federico Poole, banjo tenore: autodidatta, come ogni banjoista che si rispetti, esprime sullo strumento una sensibilità frutto di un lungo percorso di approfondimento della musica popolare nordamericana. Salvatore Rainone, batteria: un caso insolito di esperienza – nel jazz, nel rock, e nella fusione dei due - inversamente proporzionale all'età. Alexandre Cerdà, titolare della cattedra di tuba presso il Conservatorio di Salerno: la sua padronanza della tecnica moderna dello strumento gli permette di estenderne il registro espressivo ben al di là di quello tradizionale.
 

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BnCs2010 - dom 12-09-2010 12:00, Villa Comunale
Concerto di Mezzogiorno
Ingresso libero fino ad esaurimento posti
durata 75 minuti

Orchestra di Fiati del Conservatorio "Nicola Sala" di Benevento
Claudio Ciampa, direttore
solisti Giovanni Aiezza, Vincenzo D'Arcangelo e Paolo Rigliari 
  
L'Orchestra di Fiati del Conservatorio sannita, composta da oltre 50 elementi, è nata per iniziativa e su input dei Professori delle classi di strumenti a fiato. E' diretta dal Maestro Claudio Ciampa, compositore e direttore d'orchestra, docente dell'Istituto, musicista dalla vasta esperienza, importante punto di riferimento per la formazione dei giovani. Grazie al generoso impegno dei suoi promotori - tra cui figurano come solisti i Maestri Giovanni Aiezza, Vincenzo D'Arcangelo e Paolo Rigliari – e degli studenti che la compongono, l'Orchestra è uno degli organici più prestigiosi del Conservatorio, ed è invitata a tenere concerti, non ultimo il 1° maggio, nella suggestiva e storica cornice di Piazza Roma a Benevento per la Festa del Lavoro e presso il Teatro Comunale "Vittorio Emmanuele" di Benevento per il 158° anniversario della Fondazione della Polizia di Stato. L'organico si arricchisce anche del contributo degli studenti della Scuola di Arpa della prof.ssa Nicoletta Sanzin e della Scuola di Contrabbasso del prof. Gennaro Zursolo. 

 Programma

 I Parte
 Jan Van Der Roost - Arsenal
Andre Vaignein - Festival Suite 
Sergej Prokofiev - da 'Romeo e Giulietta': Montecchi e Capuleti
Jacob De Haan - Oregon 

II Parte 
Luigi di Ghisallo - Marcia 
Dmitri Shostakovich - Jaz Suite n. 2 
Moment for Morricone
        

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BnCs2010 - dom 12-09-2010 11:00, Hortus Conclusus
Alice nel giardino delle meraviglie
Spettacolo itinerante per l’infanzia

12-09-2010 11:00 e 17:30
Ingresso libero fino ad esaurimento posti
(età consigliata 6-10 anni)
ogni replica è riservata ad un max di 80 bambini 
durata 50 minuti 

con Claudio Benegas, Elena Cepollaro, Andrea de Goyzueta, Adriana Follieri  
testo e regia Claudio Di Palma  

Le surreali avventure di Alice, i suoi incontri immaginari, i suoi slanci fantastici, gli anomali compagni di viaggio che si alternano al suo fianco, trovano alloggio ideale nello scenario della Villa Comunale di Benevento. Questo il giardino delle meraviglie, realtà parallela e nascosta al quotidiano.

Questo l'alveo natio per abitatrici ed abitatori singolari, questo il luogo dove si compie il viaggio di un'adolescente il cui corpo continuamente si trasforma alla ricerca di una identità sfuggente. Quello di Alice è un corpo che asseconda le visioni e le visioni si presentano come miraggi da incubo e da sogno.

Le parole che Alice dice e che ascolta sono spesso incomprensibili e inconcludenti; come appunto nell'incubo e nel sogno; hanno più suono che senso, sono confuse come appunto confuse sono spesso quelle dell'adolescenza.

Difficile reperire una morale in questo al di là del senso, occorre, piuttosto, avere occhi stupidi e stupiti per scorgere l'infaticabile rincorsa di un coniglio al suo tempo perduto; è indispensabile, in questo altrove dei sensi, svuotare le orecchie di rumori e ricordi conosciuti per disporsi a cogliere le voci di re, regine, bestie, cose, fiori....picche, quadri e le voci "dei cuori". Diventa naturale e addirittura "logico" allarmare tutti i sensi perché percepiscano l'eco di esotici cerimoniali del tè, perché ravvisino nel vuoto del nulla il sorriso di un gatto felice. Occorre, insomma, lasciarsi rapire dalle immagini e dai suoni perchè è forse solo dai suoni che può uscire un senso.  

n.161  di Lewis Carroll    letto 3302 volte   Categoria BnCs2010 5001
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BnCs2010 - dom 12-09-2010 22:00, Vico Noce
Phantasime p.m
Un progetto a cura di Enzo Mirone
Organizzazione a cura di Giuliana Ippolito
Phantafoto Luigi Monaco
Produzione Malamùt unde Maligut Teatr


"Phantasime p.m" è il tentativo di sviluppare, in forma di istallazione - performance, l'idea del fantasma come apparizione a mezzo della carne, prima, della luce e delle sue proprietà, poi. La carne (il corpo - voce) come luogo fisico dell'apparizione del proprio incubo, la cui fisionomia, come per una sorta di esorcismo,  viene affidata, con leggerezza estrema, a tratti marcatamente grotteschi, surreali e clowneschi.
"Ciascun Fantasma, nell'ostinazione di apparire, si fa tre volte prigioniero: prigioniero del corpo in cui si manifesta, prigioniero dell'azione a cui quest'ultimo è dannato, prigioniero dello spazio in cui quel corpo in azione è confinato" A sorreggere le esili strutture a cui le trasparenze di "Phantasime p.m" si aggrappano, ci sono poche e semplici idee.  Prima tra tutte, quella di restituire una immediatezza alla comunicazione, nonostante il modo della separazione sia alla base della performance, attraverso l'utilizzo di materiali molto poveri e pochissimi mezzi allo scopo di creare immagini semplici  ma che possano esprimere in maniera efficace il gesto emotivo da cui traggono origine.   Il luogo d'incontro tra lo spettatore/fruitore e il performer/istallazione è quello spazio di meraviglia e stupore che si genera da una misura in bilico tra la casualità dell'approccio tra le due parti. Muove la consapevolezza di una separazione e della possibilità/necessità di un suo superamento.  Il lavoro drammaturgico individuale si basa sulla capacità/facoltà da parte dell'attore/performer di offrirsi e allo stesso tempo negarsi, nella sua totalità come nelle sue singole parti, allo sguardo ed alla comprensione dello spettatore adoperando le sorgenti luminose presenti all'interno delle singole strutture.

letto 2573 volte   Categoria BnCs2010 5002
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BnCs2010 - sab 04-09-2010 22:00, Teatro Romano
Patty Pravo in concerto
Prosegue con successo il "SENZA VERGOGNA TOUR" di Patty Pravo.
Alla seconda stagione e forte dei dati registrati nel precedente Tour 2009, (220 mila persone in 25 spettacoli, con quattro generazioni di pubblico), Patty si esibisce accompagnata dalla sua band proponendosi in uno spettacolo dal pop al rock, dove oltre ai suoi hits, (da La bambola a E dimmi che non vuoi morire, passando da Pensiero Stupendo a Pazza Idea, Ragazzo triste e Tutt'al più ….) brani contenuti nel cd – dvd "Circola un video su di me", propone qualche perla, "le canzoni che le piacciono" e portate al successo da altri interpreti, come Un senso di Vasco Rossi e Amarsi un po' di Lucio Battisti.
Icona e animale da palcoscenico, nonché regina delle vendite con oltre 100 milioni di dischi venduti nel mondo, Patty Pravo rende ogni concerto un'emozione unica, e offre sempre qualcosa di diverso ad ogni spettacolo, pur nella continuità della linea artistica proposta.
Con lei sul palco una band di sei musicisti: Giovanni Boscariol tastiere e piano (direttore artistico e arrangiatore dello spettacolo), Adriano Lo Giudice al basso, Massimiliano Agati alla batteria, Mario Schilirò e Edoardo Massimi alle chitarre, Gabriele Bolognesi al sax.

Nel 2009 -  2010 Patty ha ricevuto numerosi Premi: il Premio Ciampi alla Carriera, in Campidoglio il Premio Speciale Personalità Europea alla Carriera, e ben 3 Premi con la nuova canzone "Sogno" Nastro d'argento e Lunezia, nomination al David di Donatello. "Sogno" brano con il quale chiude la scaletta di questi Concerti oltre ad essere la colonna sonora del Film Mine Vaganti di Ferzan Ozpetek, è contenuta nel nuovo album, in fase di realizzazione, tra i brani, due pezzi scritti da Giuliano Sangiorgi dei Negramaro.



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BnCs2010 - mar 07-09-2010 21:00, Teatro Romano
Ballett National de Marseille
Tattoo – Somewhere – Sextet
presidente Gabriel Kosman
direttore generale Frédéric Flamand  
segretario generale Bernard Degroote
in collaborazione con CDTM - Mario Crasto De Stefano 

Fondato nel 1972 da Roland Petit, il Ballet National de Marseille fa parte delle grandi compagnie di fama internazionale. Nel 1992 la nascita dell'École Nationale Supériore de Marseille e la costruzione di un edificio di 6000 m² (nuovi studios), che accolgono sia il balletto che l'École, hanno conferito alla compagnia una vastissima dimensione. La scuola accoglie in media ogni anno 120 giovani allievi e li prepara in nove anni alla danza professionista, mentre la compagnia è formata stabilmente da 35 ballerini. Il Balletto e la scuola iniziano un nuovo corso nel 1998 con la nomina di Marie-Claude Pietragalla a Direttore Generale. Nel 2004 la Direzione Generale del Balletto e dell'École Nationale Supérieure de Danse viene accolta da Frédéric Flamand, nominato dal Ministero della Cultura e della Comunicazione, dalla Città di Marseille e dalla Regione Provence- Alpes-Cote d'Azur. Il Balletto da questo momento muove la propria attività verso una concreta apertura di spirito che va oltre la tradizionale divisione tra danza classica e danza contemporanea. La memoria, ovvero la conferma della vocazione classica, l'apertura, ovvero la presentazione di un largo panorama di danza contemporanea sollecitando nuove creazioni, e l'innovazione, che punta l'attenzione al dialogo tra le differenti tecniche di danza, caratterizzano le creazioni di Flamand. Tre strade dunque, ma che vanno in un'unica direzione, ovvero l'abbattimento delle barriere. La danza, che scende dalla sua torre d'avorio, si integra in un sistema di intrecci che nascono dalla relazione di quest'ultima con le varie discipline artistiche, quali l'architettura, le arti plastiche e le arti visive.  

Frederic Flamand  
Frédéric Flamand affronta la danza esaltando l'abolizione delle tecniche e favorendo il dialogo tra danza classica e contemporanea. Da 10 anni, lavora intensivamente sui rapporti tra danza ed architettura, collaborando con artisti del calibro di Jean Nouvel, Zaha Hadid, Thom Mayne, Diller+Scofidio, Dominique Perrault…il punto di vista pluridisciplinare del suo lavoro lo porta nel 2003 alla testa del 1 Festival Internazionale di danza contemporanea della Biennale di Venezia e all'Università d'Architettura di Venezia, per la quale è stato ordinario d'un atelier nella sezione arte & design. Dal dicembre del 2004 dirige il Ballet National e l'Ecole Nationale Supérieure de Danse de Marseille, dopo aver diretto per 15 anni Charleroi/ Danses – Centre Chorégraphique de la Communauté française de Belgique. I suoi spettacoli sono programmati sulle grandi scene europee, dagli Stati Uniti, al Giappone all'America del Sud… Unitamente a William Forsythe, Wayne McGregor et Angelin Preljocaj, dirige il programma D.A.N.C.E (Dance Apprentice Network aCross Europe).    

TATTOO  
In Tattoo la fluidità dei movimenti s'integra con il rigore della danza classica. Nel corso di tutto il balletto l'utilizzazione delle punte, anche se in chiave contemporanea, diviene un elemento di forza fondamentale.  

In una società dai confini sempre più incerti le punta stanno alla danza come la fune sta al funambolo: un'identità radicata. Il ballerino così come il tatuatore accetta di lavorare e reinventare il proprio corpo. Le punte e l'ago sono una metafora: entrambe rappresentano il desiderio irreprensibile di trasformazione. In Tattoo i ballerini e il coreografo generano attrito tra i linguaggi gestuali rischiando una separazione di identità. La trasparenza degli abiti aderenti di Philippe Combeau li maschera e intacca la loro unità. Il coreografo Kelemenis mette in contrasto gli sbilanciamenti e la fluidità del movimento dei ballerini con la tecnica accademica data dal suo simbolo per eccellenza: le punte. In Tattoo il coreografo esplora e rivela come i due linguaggi sottolineano l'altro con il proprio accento.  

Coreografie: Michel Kelemenis    
Cominciò il suo lavoro come coreografo presso il Centre Chorégraphique National de Montpellier. Nel 1989 fondò la propria compagnia a Marseille, continuando a creare per il Ballet de l'Opéra de Paris, il Ballet du Rhin, il Ballet du Nord e il Ballet du Grand Théâtre di Ginevra. È stato anche invitato a collaborare per il Festival d'Art Lyrique d'Aix-en-Provence e l'Opéra de Marseille.      

musica Christian Zanési
luci Manu Bernard
costumi Philippe Combeau
5 ballerini
durata 18 minuti    


SOMEWHERE
  
Somewhere va ancor di più oltre il confine dei movimenti del corpo neoclassico. I corpi si allungano, i gesti si estendono e i movimenti si interconnettono fluidamente, combinando performance tecnica, armonia ed emozione. Somewhere ci porta in quello stato di "sogno cosciente", tra realtà e immaginazione. È un mondo in cui i ballerini ci offrono una danza piena di poesia e sensualità.  

Coreografie: Julien Lestel  
Dopo aver studiato alla Paris Opera School and al Conservatorio di Parigi si diploma e lavoro con Noureev and Master Yves Brieux. Nel 1999, Lestel entra a far parte come solista del Marseille National Ballet sotto la direzione di Pietragalla. Lavora per l'Opera Nazionale di Parigi dove interpreta i più grandi balletti di repertorio. Angelin Preljocaj lo sceglie per danzare nella sua creazione "le Parc" e Pina Baush in "le Sacre du Printemps". Dal 2005 Julien prende parte alla creazione "Metapolis II" di F. Flamand e danza P.Touzeau, M. Fokine, D. Dawson, J. Robbins, M. Kelemenis and T. Malandain. nel 2007, crea per la BNM "Somewhere" un balletto neoclassico per 16 ballerini.  

musica Philip Glass
luci Julien Lesten e Michael Hache
13 ballerini
durata 23 minuti    
SEXTET
Questa coreografia in cinque momenti si svolge in uno spazio circondato da sbarre evocando uno studio di danza. Un luogo in cui i ballerini diventano attori della propria storia. Li si immagina nella loro vita quotidiana, mentre provano uno spettacolo o mentre si guardano allo specchio come a voler leggere il futuro. Tutto comincia in una sorta di caos, dei gruppi si compongono, si sciolgono per riformarsi più lontano in attesa di un segno che gli permetterà di dare senso allo loro vitalità. Il titolo rinvia alla Creazione ma anche all'incertezza, perché il Sesto momento invita a scegliere ed è per questa ragione che i ballerini lasciano bruscamente la scena per correre a interrogarsi sul futuro.

Coreografie: Thierry Malandain - rielaborata da Francoise Dubuc 
Dopo aver completato i suoi studi, Thierry Malandain continua la sua carriera con l'Opéra de Paris, il Ballet du Rhin e il Ballet de Nancy. Vincitore di diversi premi, nel 1986 fonda la sua compagnia Temps Présent. Ha creato circa 60 coreografie, molte delle quali fanno parte del repertorio di molte famose compagnie di danza.  
 
musica Steve Reich
luci Jean Claude Asquié
costumi Sean Wood
12 ballerini
durata 26 minuti  

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BnCs2010 - gio 09-09-2010 22:00, Teatro Romano
Gino Paoli in concerto

Un'estate ricca di live per Gino Paoli, che celebrati l'anno scorso i cinquant'anni di carriera con la pubblicazione dell'album di inediti "Storie" e della doppia raccolta "Senza Fine" in cui ha ripercorso e riproposto i brani più significativi della sua lunga storia musicale, tra un progetto discografico alla riscoperta di arie pucciniane e il secondo volume di "Milestones Un incontro in jazz", entrambi di prossima uscita, continua ad emozionare il suo pubblico dal vivo. Ogni concerto è un viaggio nella storia musicale e non di uno degli artisti più amati e più influenti nel panorama culturale del nostro paese.
Nei concerti del tour "Gino Paoli Live 2010" sul palco è accompagnato da Vittorio Riva alla batteria, Marco Caudai al basso, Riccardo Cavalieri alle chitarre, Dario Picone al piano e tastiere, Salvatore Piedepalumbo alla fisarmonica. In scaletta i brani che hanno emozionato e fanno cantare intere generazioni, tra gli altri: "La Gatta", "Sapore di sale", "Sassi", "Averti addosso", "Il cielo in una stanza", "Questione di sopravvivenza", "Che cosa c'è", "Una lunga storia d'amore", "Vivere ancora" e "Albergo a ore", fino alle recenti "Il nome", "Il Buco", "L'uomo che vendeva domande" e "Due vite", estratti dall'album "Storie".

Inoltre, il jazz, antica passione riscoperta negli ultimi anni, e uno dei punti fermi nella vita e nella carriera di un artista sempre pronto a mettersi in gioco. E così i suoi concerti tradizionali si alternano con queste session chiamate "Incontro in jazz", in cui Gino è la preziosa voce di quattro fuoriclasse apprezzati i tutto il mondo come Danilo Rea al pianoforte, Roberto Gatto alla batteria, Rosario Bonaccorso al contrabbasso e Flavio Boltro alla tromba. "Continuo a cantare in jazz, - dice Paoli. - Ho incontrato quattro amici e tutte le volte che ci ritroviamo è una festa e quando facciamo musica ci divertiamo come la prima volta.
Il jazz è improvvisazione che avviene senza nessuno schema preparato ed è inventare in quel momento quello che tu ascolterai. Nel jazz si imparano le parole amicizia e divertimento. Cosi finché mi vorranno con loro continuerò a suonare con Boltro, Gatto, Bonaccorsi e Rea". In scaletta sono previsti i grandi successi di Paoli rivisitati naturalmente in chiave jazz, con alcuni evergreen internazionali. I concerti si aprono con "Time after time", per proseguire con "Sapore di sale", "La gatta", "Vivere ancora", "I fall in love" "Senza fine", "Quando" "Che cosa c'è" "As time goes by", "Il cielo in una stanza" e "Una lunga storia d'amore". 
 

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BnCs2010 - dom 12-09-2010 20:30, Teatro Romano
Grande orchestra del Teatro San Carlo
in collaborazione con Fondazione Campania dei Festival
Direttore  Bruno Cinquegrani  
Programma: Jacques Offenbach:,             
Orfeo all'inferno, Ouverture    
Igor Stravinskij/Pergolesi, Pulcinella suite                            
L.v. Beethoven, Sinfonia n. 7 op. 92    

Il 4 novembre 1737 va in scena Achille in Sciro di Domenico Sarro e da allora la musica al Teatro di San Carlo non si è mai fermata. Nell'Ottocento l'Orchestra è destinataria di opere scritte da Rossini, Bellini, Donizetti e Verdi ed esegue musiche di Weber, Saint-Saëns e Wagner.
Alla direzione si susseguono celebri Maestri, da Giuseppe Martucci (1884) a Toscanini (1909) a Victor de Sabata (1928), e compositori come Pizzetti e Mascagni.
L'8 gennaio del 1934, a testimonianza dell'importanza raggiunta, Richard Strauss regala al pubblico e all'ensemble un concerto interamente formato da musiche proprie. Durante il secondo dopoguerra il San Carlo accoglie gli italiani Gui, Serafin, Santini, Gavazzeni e gli stranieri Böhm, Fricsay, Scherchen, Cluytens, Knappertsbusch e Mitropoulos.
Nell'ottobre del 1958 è Igor Stravinsky a guidare l'ensemble napoletano, mentre negli anni Sessanta si avvicendano sul podio due giovanissimi emergenti: Claudio Abbado, che fa il suo esordio nel 1963, e Riccardo Muti nel 1967. Intanto, grazie ad una serie di prestigiose tournée, la fama del Teatro oltrepassa i confini nazionali: Londra (1946), Strasburgo (1951), Parigi (1951 e 1956), Edimburgo (1963), Brasile (1969), Budapest (1973), Dortmund (1981), a Wiesbaden (1983, 1985 e 1987), Charleston e New York.
Negli anni Ottanta l'Orchestra trova in Daniel Oren un punto di riferimento assiduo, specie in ambito teatrale. Sempre in quel periodo tornano a dirigere Muti e Gavezzeni. Successivamente è Salvatore Accardo a rilanciare l'attività sinfonica collaborando con direttori illustri, tra cui Giuseppe Sinopoli e Lorin Maazel.
Rinnovata e ringiovanita, l'Orchestra ritrova, poi, al proprio fianco grandi Maestri: Georges Prêtre, Rafael Frühbeck de Burgos, Mstislav Rostropovic, Gary Bertini, direttore musicale per la stagione 2004-2005, Djansug Khakidze, Jeffrey Tate, che diventa direttore del Teatro dal maggio 2005 e ancora Gustav Kuhn e Gabriele Ferro. Nel 2005 è protagonista in Giappone, precisamente a Tokyo e Kyoto, di due opere verdiane Luisa Miller e Il Trovatore, e a Pisa, con le Cantate per San Gennaro, ospite del Festival Internazionale di Musica Sacra "Anima Mundi". Nell'ottobre 2007, una tournée al Teatro alla Scala di Milano permette all'Orchestra di esibirsi con due recite de Il Socrate Immaginario di Giovanni Paisiello e in un concerto sinfonico diretto da George Pehlivanian.
L'Orchestra ha contribuito in modo significativo alla doppia conquista del prestigioso Premio "Abbiati", assegnato dalla critica musicale italiana nel 2002 a Königskinder e, nel 2004, a Elektra.
Tra il luglio del 2008 e luglio 2009 tre grandi direttori dirigono la compagine sancarliana con tre importanti concerti trasmesi dalla RAI nazionale, Zubin Meta, Riccardo Muti e Antonio Pappano.
Attualmente il Direttore Principale ospite è Maurizio Benini.
             

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BnCs2010 - da lun 06-09-2010 a ven 10-09-2010  -  Hortus Conclusus
Aperitivo allo Strega - Letture stregate
Grandi interpreti per “leggere” i romanzi finalisti del Premio Strega 2010
Ingresso libero fino ad esaurimento posti 
 
a cura di Gabriella D'Angelo, responsabile dei progetti della Fondazione Bellonci 
  
Grandi interpreti per 'leggere' i romanzi finalisti del Premio Strega

Lunedì 6 settembre
Audioinstallazione di Toni Servillo per "Hanno tutti ragione" di Paolo Sorrentino

Martedì 7 settembre
Rolando Ravello per "Accanto alla Tigre" di Lorenzo Pavolini, Fandango

Mercoledì 8 settembre
Filippo Nigro per "Sono comuni le cose degli amici" di Matteo Nucci, Ponte Alle Grazie

Giovedì 9 settembre
Paola Pitagora per "Canale Mussolini" di Antonio Pennacchi, Mondadori

Venerdì 10 settembre
Ottavia Piccolo per "Acciaio" di Silvia Avallone, Rizzoli

  
Un percorso di letture "stregate". Alcune pagine tratte dai cinque libri finalisti al premio Strega 2010, la prestigiosa competizione letteraria italiana che, fin dalla sua nascita,  lega il suo nome al comune di Benevento, affidate a grandi interpreti del cinema e del teatro italiano che re-inventeranno la "voce" letteraria dell'autore del romanzo finalista.

Dalle storie familiari attraversate da un pezzo di storia italiana nei romanzi di Antonio Pennacchi e Lorenzo Pavolini alle ambientazioni nella provincia toscana post-operaia di Silvia Avallone, passando per i nodi esistenziali nel romanzo di formazione di Matteo Nucci fino allo sguardo realistico-grottesco di Toni Pagoda sull'Italia di oggi di Paolo Sorrentino.
 
 

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BnCs2010 - mar 07-09-2010 18:30, Teatro De Simone
Festa di compleanno per Luigi De Filippo
Una festa tra amici per un amico del teatro che ad agosto compie ottant'anni. Luigi De Filippo sarà nostro ospite per un pomeriggio di ricordi e di auguri.

Ricordi di un protagonista del nostro teatro, custode di memorie importanti ed esaltanti, di momenti indimenticabili che legano in un unico percorso grandi e piccoli attori, autori, registi. Un'occasione per leggere qualche pagina del suo ultimo libro: "Un cuore in palcoscenico", recentemente edito da Mursia e per trovare nuovamente, insieme a lui, le tracce più eloquenti della storia del teatro italiano che lo ha visto e lo vede protagonista applaudito.

Auguri perché gli anni siano una lunga somma di giorni e di sapere, un percorso di allegria e di amore per il teatro e per la gente di teatro che gli vuole bene. Ancora per molto tempo. 
 
A Luigi De Filippo anche il premio 'Benevento Città Spettacolo' con la seguente motivazione:

"A Luigi De Filippo, erede e testimone di un sapere d'attore praticato nel lungo percorso di una vita, che con il suo "Un cuore in palcoscenico" ci ha offerto una preziosa testimonianza del suo essere protagonista tenacemente attento ad una tradizione familiare che ha illuminato generazioni di spettatori. Attore, autore, custode di una storia gloriosa che i suoi ottant'anni, appena compiuti e vissuti in palcoscenico con immutato entusiasmo, arricchiscono in esempio costante di lieto lavoro".

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BnCs2010 - da mer 08-09-2010 a dom 12-09-2010  -  Teatro Comunale
I teatri dell'Unità d'Italia:
il Teatro Comunale di Benevento compie 150 anni

Memorie e documenti di un teatro storico


Il lungo e articolato processo di unificazione nazionale portò con sé un incremento graduale di molte esigenze culturali, di informazione, di acculturazione, di divulgazione scientifica e politica, di consumo letterario ed artistico.
La retorica municipale riservò alle opere pubbliche una sorta di «prassi di esaltazione» che caratterizzò le fasi dello sviluppo ottocentesco delle città italiane, focalizzando l'immagine del teatro come quella di un edificio-monumento, l'ornamento più adatto ai tempi di «incivilimento» che si stavano vivendo e ai quali conveniva adeguarsi.
Luoghi centrali dell'educazione emozionale degli italiani, i Teatri riflessero, negli anni più caldi del Risorgimento, l'effervescenza politica del paese. Benevento, come molte altre città italiane, almeno sin dagli anni Cinquanta dell'Ottocento, cominciò a prepararsi a far parte dell'Italia unita.
Le discussioni che animarono i consigli comunali di quegli anni anticiparono questioni che si facevano sempre più impellenti. Tra queste, l'impegno a dotare la città di un particolare monumento alla civiltà e al decoro: il nuovo Teatro Comico, poi intitolato al primo re d'Italia, Vittorio Emanuele II.

 

n.187  Rossella Del Prete     letto 3361 volte   Categoria BnCs2010 5900
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BnCs2010 - da ven 03-09-2010 a dom 12-09-2010  -  Palazzo Paolo V
Nino Taranto ha 100 anni
Allestimento di Pino Miraglia e Francesca Garofalo
Ricerche iconografiche Angioletta Delli Paoli
Materiali messi a disposizione dalla "Fondazione Nino Taranto"

Nino Taranto, attore, cantante, straordinario uomo di teatro, cinema, televisione; performer lo si direbbe oggi. Ha attraversato con enorme successo il mondo dello spettacolo che nasce da Napoli. Proviamo oggi, a cento anni dalla nascita a rendergli omaggio. Mettendo in mostra una parte soltanto dell'enorme quantità di materiali che lui stesso, caso ben raro nel mondo dello spettacolo, ha raccolto negli anni della sua lunga vita. Fotografie, locandine, articoli, caricature, costumi, oggetti adoperati in teatro, manoscritti, registrazioni audio e video costituiscono un patrimonio di memoria straordinario fortunatamente salvato dalla attenta cura della famiglia e della Fondazione Nino Taranto che ne custodisce oggi con passione il ricordo. Da questo "fondo" di eccezionale importanza per chi vorrà indagare nella storia del teatro napoletano di quegli anni ho potuto attingere con libertà ed emozione. Il "viaggio" di Nino Taranto, da lui stesso raccontato in una vecchia intervista, è il filo conduttore del nostro percorso, e si fa cosi memoria visiva per una testimonianza di affetto verso un grande, indimenticabile attore.

Nino Taranto ha 100 anni - 58' DVD
Canzoni, sketch, macchiette da film, teatro, tv scelti da Mario Franco e montati da Davide Franco

Nino Taranto (1907-1986)
Muove i primi passi tra il 1917 ed il 1918 in vari teatri napoletani: la Sala Stella, il Trianon, il Caffè Turco, il Salone Margherita. Il debutto a tredici anni presso il Teatro Centrale della Ferrovia, seguono l'apprendistato e l'ingresso nella compagnia Cafiero - Fumo. Gli anni '20 lo vedono protagonista sulle scene dei teatri secondari fino al passaggio alla rivista, come fantasista e cantante comico. Dal 1936 al 1955, nel ruolo di primo comico "assoluto", è alla guida di propri complessi di rivista; tappe fondamentali nell'esperienza attorica di Nino Taranto sono state: il debutto nel genere della sceneggiata al fianco di Beniamino e Rosalia Maggio e la lunga attività con la compagnia Cafiero - Fumo, iniziata con Zappatore. L'enfasi comica, dispiegata in un repertorio sfavillante di macchiette, è costantemente attraversata dai personaggi di Ciccio formaggio e Carlo Mazza, presenti anche in numerose incisioni discografiche. La canzone Carlo Mazza, intitolata in origine Mazza, pezzo e pizzo, con la fitta mole di allusioni e doppi sensi, riscosse un enorme successo, infatti nel 1948 Michele Galdieri ne curò la riscrittura cinematografica per il film Il barone Carlo Mazza. Il trio Taranto - Pisano - Cioffi è artefice, durante il periodo fascista, del genere della macchietta, tra i maggiori successi Teresin, Teresin, O chiavino, Baciami Bice; il dopoguerra è segnato dallo straordinario successo di Dove sta Zazà.
L'attività cabarettistica e di cantante, cedono presto il passo alla prosa, lo ricordiamo carismatico interprete di commedie di Pirandello, Marotta, Viviani di cui dal 1956 interpretò L'ultimo scugnizzo, Morte di carnevale, Guappo di cartone, Vetturini da nolo, A figliata di Raffaele Viviani, messi in scena, negli anni '80, al Teatro Sannazzaro con Luisa Conte.

n.188  Giulio Baffi     letto 3657 volte   Categoria BnCs2010 6000
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BnCs2010 - mer 08-09-2010 17:00, Teatro Comunale
Un teatro, la nostra storia : i 150 anni del "Comunale" di Benevento
Convegno a cura di Rossella Del Prete, Università degli Studi del Sannio
Parte I – Un Teatro per la Città: nasce il nuovo Teatro Comico di Benevento (settembre 2010)
Parte II – Un sipario sul secolo XX (settembre 2011)

Introducono:
Raffaele Del Vecchio, Assessore alla Cultura, Comune di Benevento
Giulio Baffi, Direttore artistico "Festival Città Spettacolo", XXXI edizione

Modera:
Rossella Del Prete, Università degli Studi del Sannio

Intervengono:
Pier Luigi Ciapparelli, Accademia di Belle Arti, Napoli
Pasquale Rossi, Università degli Studi Suor Orsola Benincasa, Napoli
Valentina Russo, Università degli Studi Federico II, Napoli
Giovanna Ceniccola, Università degli Studi Federico II, Napoli

Idea e coordinamento, Rossella Del Prete
Allestimento e grafica, Riccardo D'Uva
Consulenza scenografica, Paolo Petti  

La storia della vocazione teatrale della città di Benevento rievoca esperienze culturali assai radicate nel tessuto urbano di riferimento e che sembrano anticipare quelle che oggi 'prepotentemente' caratterizzano la vita culturale della città. Sebbene tuttora assai poco indagata, essa offre lo spaccato di un piccolo mondo teatral-musicale, sottobosco di generi artistici oggi in gran parte ignorato o rimosso, ma che costituì a suo tempo il contenuto imprescindibile di un'esperienza estetica di un pubblico sempre più numeroso e socialmente allargato. La ricostruzione di tale esperienza giustifica la strategia e le politiche d'offerta dell'evento teatrale in sé, che hanno costruito, nel tempo, l'identità distintiva di Benevento come Città d'Arte e della cultura ed oggi ne fa un veicolo per trasportare all'estero l'unicità del territorio. 


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BnCs2010 - da ven 03-09-2010 a dom 12-09-2010
Festival Festival!
con gli allievi del Liceo Artistico Statale di Benevento
a cura della docente Francesca Cardona Albini 

"FestivalFestival!" segna l'inizio della collaborazione tra Citta' Spettacolo ed il Liceo Artistico Statale di Benevento e si articolerà in due segmenti.    
Il primo, "Ispirati dal teatro" vedrà impegnato un gruppo di allievi che darà vita a performance di pittura e/o scultura ispirate ad alcuni spettacoli in programma, e particolarmente legati agli spazi architettonici e storici della città, come i quattro "Raccontami Benevento".    
Un'ulteriore iniziativa, "Fotografiamo il Festival", vedrà gli allievi attenti a fissare personaggi, situazioni, spettacoli, che colpiranno la loro attenzione e la loro fantasia.    
Gli elaborati e le fotografie saranno esposti in mostra durante e dopo il Festival.     






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